Dibujo

Conceptos básicos de dibujo: talleres de dibujo de Jon DeMartins para mejorar las pinturas

Conceptos básicos de dibujo: talleres de dibujo de Jon DeMartins para mejorar las pinturas

"Una de las principales razones por las que los pintores se meten en problemas es porque sus imágenes no tienen una base sólida de dibujos precisos y expresivos", dice el artista neoyorquino Jon DeMartin. Por eso sus talleres de dibujo son tan útiles para los pintores figurativos.

por M. Stephen Doherty

Cuando está claro que no hay una píldora que alivie rápidamente el dolor de una pintura que salió mal, DeMartin puede ayudarlo a comprender cómo lidiar con los problemas subyacentes de proporciones inexactas, rasgos distorsionados o formas sin vida. Ofrece una variedad de formas en que puede curar esas dolencias pictóricas comunes.

Un estudiante observaba atentamente
como DeMartin le mostró cómo
usar Conté de color sanguíneo
crayón para dibujar el modelo.

Los talleres y clases de DeMartin son muy solicitados en todo el noreste, y es instructor habitual en varias de las mejores escuelas de arte de Nueva York y Connecticut. Nelson Shanks lo invitó recientemente a realizar un taller intensivo de una semana para los pintores talentosos que estudian en Studio Incamminati, en Filadelfia. "Para el crédito de Nelson, quería que le presentara a sus alumnos un enfoque completamente diferente para dibujar la figura que el que emplea", explica DeMartin. “Fue un honor hacerlo porque los estudiantes de Incamminati se presentaron a algunos de los mejores artistas figurativos del país, como Nelson, Stephen Early, Leona Shanks, Darren Kingsley, Michael Grimaldi, Dan Thompson y Rob Liberace.

"El dibujo es una parte integral del proceso de creación de imágenes", afirma DeMartin. “Brinda la oportunidad de explorar variaciones del tema. Un artista puede entusiasmarse con una idea y precipitarse precipitadamente en la pintura sin una preparación adecuada solo para descubrir, a menudo demasiado tarde, que la idea no puede mantenerse durante todo el proceso. Al tomarse el tiempo para ejecutar dibujos preparatorios, un artista puede considerar y destilar cuidadosamente las ideas y, por lo tanto, tomar mejores decisiones creativas ".

Los estudiantes del taller dibujaron con
sus brazos completamente extendidos.

La mejor parte de los talleres de dibujo de DeMartin es que ofrecen a los estudiantes una variedad de enfoques para el dibujo figurativo, cada uno de los cuales puede ayudar con aspectos particulares de la creación de imágenes. Por ejemplo, hace que los estudiantes comiencen cada día con dibujos rápidos de gestos que enfatizan los aspectos espontáneos y lineales de registrar una pose activa en un dibujo lineal. "Las posturas cortas de uno a 45 minutos tienden a ser más sobre la línea y el gesto, y las largas (una hora o más) son sobre la forma y el volumen", explica. “Debido a las limitaciones de tiempo, cualquier modelado extenso con valores es difícil de hacer, por lo que cuantas más formas pueda hacer que el volumen exprese la línea, mejor.

"En muchos dibujos de siglos anteriores, la ilusión de la tercera dimensión no dependía por completo de las gradaciones de valor porque la concepción detrás de los contornos era dimensional por sí misma", continúa DeMartin. “Como resultado, se usó un rango de valores más pequeño y los dibujos se pudieron hacer en menos tiempo. Las oportunidades para realizar acciones y ritmos emocionantes aumentan si se practican posturas cortas.

DeMartin trabajó directamente
en los dibujos de los alumnos
para ayudarlos a entender
Cómo hacer mejoras.

"Cuando los artistas pasan horas o días trabajando desde la misma pose, sus dibujos se convierten en análisis de valores relacionados con formas que cambian de la luz a la sombra", explica DeMartin. “Ese tipo de estudio se relaciona más con la práctica académica del siglo XIX de hacer dibujos altamente terminados de moldes de yeso y de modelos con la misma pose durante días y semanas. El énfasis en ese caso está en la observación cuidadosa de las sutilezas dentro de la forma.

"Ambos enfoques para dibujar la figura pueden ser beneficiosos para los pintores, pero también pueden conducir a sus propios problemas", dice DeMartin. “Los artistas que solo hacen dibujos de gestos cortos a menudo producen imágenes estilizadas que son respuestas formuladas en lugar de honestas a modelos individuales. Por el contrario, los artistas que solo hacen dibujos que tardan meses en completarse a menudo terminan con observaciones mecánicamente precisas que carecen de contenido emocional. Al combinar los dos enfoques, el artista tiene una mejor oportunidad de poder realizar evaluaciones rápidas de la forma en que las figuras se mueven en el espacio, así como observaciones precisas que evocan la esencia de la persona que se dibuja ".

Dibujo de gestos de DeMartins:
Dibujos gestuales de un minuto
con Nupastel en papel de periódico.

DeMartin recomienda que los artistas utilicen diferentes materiales de dibujo pero la misma postura al hacer estos dos tipos de dibujos. "El dibujo debe hacerse desde una posición de pie con el brazo extendido para que el movimiento provenga del hombro, no solo de la muñeca", indica. “Los artistas deberían poder ver tanto la superficie de dibujo como el modelo dentro de su campo de visión.

"El objetivo principal al hacer bocetos rápidos del modelo con tiza (Nupastel) es capturar las acciones rítmicas y posiblemente alguna contracción", continúa. “Quiero encontrar la acción antes de los contornos porque sin esa sensación de movimiento el dibujo perderá su flujo rítmico. Si el tiempo lo permite, introduzco gradualmente la estructura conceptualizando la orientación de la cabeza, la caja torácica y la pelvis en el espacio utilizando líneas medias verticales y horizontales. La atención se centra más en el esqueleto del cuerpo que en los músculos.

"Las líneas que describen las características pueden cruzarse sobre las partes del cuerpo, ya que enfatizan el flujo de las formas y la relación de una forma a otra", explica DeMartin. “Si un brazo cruza sobre el cuerpo, por ejemplo, el artista debe dibujar primero las líneas continuas del cuerpo y luego dibujar el brazo sobre esa sección del cuerpo. El punto es capturar primero la acción y el contorno y dejar que las sutilezas vengan después.

Dibujo de gestos de DeMartins:
Dibujo de gestos de cinco minutos
con Nupastel en papel de periódico.

"Los dibujos realizados durante un período prolongado de tiempo deben comenzarse con carbón vegetal mediano colocado en un soporte", aconseja el artista. "La ventaja del carbón vegetal es que es más fácil de borrar y ajustar, siempre que las líneas no sean demasiado oscuras. Además, debido a su suavidad, el carbón vegetal se desliza por el papel y se presta a un comienzo audaz y simple ".

Una vez que DeMartin está satisfecho con la proporción y la ubicación de la figura en el papel, indica el área de sombra en un proceso que llama posterización. "Una cosa es universalmente cierta para las posturas cortas y largas: las sombras deben colocarse primero porque guían al artista a comparar los otros valores que están a la luz", enfatiza. “Creo un valor plano para las luces (el blanco del papel) y un valor plano para las sombras con líneas sombreadas que hacen un tono claro. El valor no es una preocupación, solo la interpretación gráfica del patrón de sombra. Es importante reconocer qué formas están en la sombra y cuáles no porque los artistas a menudo confunden los valores oscuros en la luz con las sombras ".

Cuando está satisfecho con el dibujo básico de carbón vegetal, DeMartin limpia gran parte del carbón suave, dejando solo una tenue imagen en el papel blanco. "Eso me da una plantilla o guía para las etapas finales del dibujo", explica. “Luego vuelvo a delinear la figura usando carbón comprimido, que es más permanente, y presto más atención a la precisión del dibujo en comparación con el modelo.

"Desarrollo las sombras de forma aditiva, acumulando capas de carbón", dice DeMartin, explicando cómo dibujar posturas largas. “Primero froto una masa plana y uniforme de sombras y luego uso un muñón de carbón para derretir las sombras en el papel. Esto sirve como una agradable yuxtaposición a los valores en la luz, que se dibujan más espontáneamente con la eclosión. En poses más largas, la ilusión tridimensional del dibujo se expresa principalmente a través de valores de luz y oscuridad. Los planos en el formulario que se alejan de la fuente de luz se oscurecen a medida que se acercan a la línea de sombra. Estas son las gradaciones de valor en el formulario que transmiten la ilusión de redondez. Cuanto más redondeada sea la forma, más se extenderán las gradaciones.

Dibujo de gestos de DeMartins:
Dibujo de vida de veinte minutos
con Nupastel en papel de periódico.

La cantidad de tiempo que los estudiantes del taller pasan en dibujos a corto y largo plazo depende, en parte, de su nivel de habilidad. "Si los estudiantes no han recibido mucha capacitación, paso menos tiempo en posturas cortas y más en posturas largas porque es muy difícil capacitar a un artista no calificado en un taller que solo dura unos días", explica el artista. “Es mejor que los principiantes se ocupen de cuestiones más directamente relacionadas con la pintura, como valores, formas y bordes, en lugar de gestos. Por lo general, les resulta más fácil trabajar en proporción, escala y proyección si el modelo mantiene la misma postura durante varias horas ".

Para ayudar a transmitir lo beneficioso que puede ser el entrenamiento en dibujo para un pintor, DeMartin ofrece una revisión detallada del desarrollo de una de sus pinturas recientes, Billar. Los numerosos bocetos en miniatura, dibujos lineales, estudios de valores y diagramas de composición ayudaron a establecer la base sólida que DeMartin cree que es tan importante para una buena pintura.

La escena interior de una sala de billar comenzó como un rápido gesto y se desarrolló a través de una serie de estudios de composición. "Recordé una sala de billar que visité en la década de 1970, que había fotografiado y años más tarde convertí en un dibujo de grafito en un cuaderno de bocetos 3 x 5", recuerda. “El boceto era una indicación floja de dos hombres que jugaban al billar mientras estaban parados cerca de una ventana. Años más tarde imaginé una pintura que podría incluirse en la exposición "interiores" de la Galería John Pence en San Francisco. Me imaginaba que tenía mucha atmósfera como resultado del alto contraste de una luz brillante y sombras profundas ".

Después de hacer más dibujos para explorar la idea e imprimir la imagen en su mente, DeMartin le pidió a un amigo que se hiciera pasar por uno de los jugadores de billar y dibujó el reflejo reflejado de su propio cuerpo para el otro hombre. "Hice varios dibujos en carbón vegetal para obtener la acción y el carácter, luego hice dibujos más cuidadosos en papel tonificado con carbón comprimido y tiza blanca", explica. "Confié completamente en esos dibujos cuando comencé el proceso de pintura".

Así como varía el tipo de dibujo que emplea, DeMartin también usa diferentes técnicas de pintura. "Me beneficio haber estudiado con artistas que exploraron dos formas diferentes de desarrollar pinturas, cada una de las cuales conduce a un resultado diferente", admite el artista. “Michael Aviano explicó cómo construir sobre una pintura base monocromática, mientras que Nelson Shanks me enseñó a trabajar con las relaciones de color desde el principio. Encuentro ocasiones en que uno u otro enfoque puede servir mejor a mis intenciones.

"En el caso de Billar, Decidí establecer una base monocromática sellando primero las líneas del dibujo con una fina mezcla de pintura ocre marrón Old Holland y luego pintando una base monocromática de gran valor con un número quemado ”, continúa DeMartin. "Una pintura de base monocromática ofrece la ventaja de permitir que la imagen" respire ", particularmente en los pasajes más oscuros. Eso crea un buen equilibrio de opacidad y transparencia, así como una riqueza de texturas. Una vez que estuvo completamente seco, comencé a pintar en color en varias pasadas para lograr los niveles de transparencia y opacidad requeridos para la pintura terminada. Cuando superpuse los colores locales sobre la base, estuve vigilante para aferrarme a los valores subyacentes ”.

DeMartin enfatiza que no hay un solo enfoque recomendado para dibujar o pintar. Lo importante para los artistas es recordar que cierta cantidad de dibujo ayudará a seleccionar los elementos de una imagen, establecer la composición de líneas y valores y resolver problemas potenciales. "Siempre ayuda tener técnicas basadas en principios sólidos que, con mucho trabajo, produzcan resultados exitosos", concluye. "Es solo a través de la capacidad de capturar primero la vida en los dibujos que los artistas pueden realizar sus visiones".

Sobre el artista
Jon DeMartin recibió un B.F.A. Licenciado en cine por el Instituto Pratt, en Brooklyn, y estudió arte en la Art Students League de Nueva York, en Manhattan, con Gustav Rehberger y Nelson Shanks, así como de forma independiente con Michael Aviano. Además, se formó en dibujo de reparto con Milet Andrejevic y Edward Schmidt. Sus dibujos y pinturas se han exhibido en galerías de Nueva York, California y Virginia y se han publicado en American Artist, Art in America, ARTnews y The Classicist. DeMartin ha enseñado en la Academia de Arte de Nueva York, la Escuela de Arte de Woodstock y la Nueva Escuela de Diseño de Parsons, todas en Nueva York, así como en el Colegio de Bellas Artes de la Academia Lyme, en Old Lyme, Connecticut. Está representado por la Galería Hirschl Adler, en la ciudad de Nueva York, y la Galería John Pence, en San Francisco.

M. Stephen Doherty es el editor en jefe de Taller.


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