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Dibujo

Pintura al óleo: Milt Kobayashi: pinta lo que quieres ver

Pintura al óleo: Milt Kobayashi: pinta lo que quieres ver

Milt Kobayashi otorga a los estudiantes permiso para tomar el control completo de sus pinturas y no sentirse obligados a pintar exactamente lo que ven. Durante un taller reciente, alentó a los participantes a cambiar la pose, la coloración y el vestuario de una modelo para adaptarla a sus propias ideas.

por Molly Siple

Sus clases se centran más en aprender a estar abierto a las posibilidades y menos en terminar la semana con una nueva lista de cosas que hacer y qué no hacer. Como dijo un estudiante al resumir el enfoque de enseñanza de Kobayashi: "Nos da permiso para confiar en nosotros mismos".

Los artistas que participaron recientemente en uno de los talleres de Kobayashi en la Escuela de Artistas de Scottsdale descubrieron que no es fácil tomar decisiones de pintura basadas en el gusto personal en lugar de la observación. De hecho, hacer lo que quieres es un proceso aprendido. El aprendizaje tuvo lugar durante cada uno de los cinco días del taller, con las mañanas dedicadas a una demostración de tres horas por Kobayashi, durante el cual rara vez hablaba. "Enseño de la manera que me gustaría aprender de Sargent", explicó. "Me gustaría que Sargent pintara y no solo hablara de ello. ¡Me imagino lo que está haciendo yo mismo! "

Kobayashi ayudó a un estudiante
fortalecer su figura pintura.

Aunque Kobayashi tiene pocas palabras sobre su filosofía del arte, ofrece a los estudiantes muchas oportunidades, a través de la observación, para captar su estilo de pintura.

También da pistas sobre su proceso en la forma en que responde preguntas. Cuando se le preguntó sobre una mezcla particular de colores que era favorita en un taller anterior, respondió: "Oh, ya no hago eso". Cuando un estudiante quería precisarlo sobre la forma en que establece sombras o pinta las manos, daba respuestas como: "Sigue cambiando" o "Normalmente hago eso, pero no hoy". Los estudiantes llegaron a comprender que deberían permanecer en el presente, confiar en lo que ven y tomar el control artístico de su trabajo.

Kobayashi libera a los estudiantes para explorar e inventar de la misma manera que los instructores de arte que enseñaban el expresionismo abstracto en la década de 1960 colocaron el proceso de pintura por encima del tema. El sujeto real, el modelo que llevaba un atuendo particular y se posicionaba en una pose determinada, era solo un punto de partida. La forma en que se desarrolló la pintura se basó en lo que el artista vio en su lienzo. Sobre pintar la figura, dijo: "Pinta cómo crees que debería verse".

El primer día del taller comenzó con Kobayashi saludando a una pequeña multitud de admiradores adoradores. (La clase de 18 completó los primeros 45 minutos después de que se abrió la inscripción.) Varios de los estudiantes han asistido a sus talleres durante una década o más. Las amistades experimentadas que Kobayashi tiene con muchos pronto se hicieron evidentes cuando la sala se llenó de risas y conversaciones. Un estudiante preguntó: "¿Nos vas a contar sobre los nuevos colores secretos que estás usando?" Inmediatamente regresó con: "Si lo supiera, no te lo diría". Esto se dijo con una sonrisa astuta, ya que Kobayashi disipó cualquier barrera formal entre el maestro y los estudiantes. Se hizo accesible a sí mismo y a su instrucción, haciendo que los participantes sintieran como si estuvieran aprendiendo de un amigo muy bien informado.

Todas las demostraciones de Kobayashi tuvieron lugar en un extremo de un amplio y amplio estudio. La modelo ocupó su lugar en una silla de plástico blanco ordinaria ubicada en una plataforma baja. Para comenzar, Kobayashi tonificó una tabla cubierta de lona de 11 x 14 con una mezcla de pigmento verde oscuro y ocre mezclado con un poco de diluyente de pintura y aceite de linaza. Aplicó trazos rápidos y firmes, los mezcló y probó varias composiciones dibujando un contorno básico de cabeza y hombros. Advirtió a los estudiantes que se aseguren de que la cabeza no esté alineada con el torso porque sería "demasiado rígida", sino que la incline. También trató de crear variedad dentro de la pose. “En cualquier pose, hay un lado activo y otro inactivo. Hago un lado muy recto y el otro torcido para contrapunto ".

Luego colocó el modelo para que coincida con lo que había dibujado. Él inclinó su cabeza y usó el lápiz para guiar su mirada. "Así es como trabajo", explicó. "Comienzo con una idea de cómo quiero la pintura, y luego hago que la modelo se siente de esa manera". En esta etapa del dibujo inicial, también comenzó a establecer la posición de las manos, indicándolas con rectángulos simples. Probó varias posiciones, algo arbitrarias en términos de anatomía y pose del modelo, pero importantes en términos de diseño. Dio un paso atrás del lienzo con frecuencia para evaluar la composición, luego ajustó la colocación y el ángulo de los elementos, reposicionando para el flujo, hasta que estuvo satisfecho.

Muchos de los estudiantes
(y sus mascotas) tenían
asistió a talleres anteriores
con Kobayahshi y fueron
familiarizado con su enfoque.

Para definir la forma de la cabeza, Kobayashi dibujó un círculo para la parte superior del cráneo y luego agregó una especie de triángulo con una punta plana, una forma de hocico para el frente de la cara. Si la ubicación no hubiera parecido correcta, el artista podría mover estos formularios brevemente anotados. Terminó de planear la cara indicando los ojos a lo largo del arco donde el círculo encajaba en el triángulo. La boca se dirigió a la punta del triángulo y debajo dibujó un cilindro saliente que definía la barbilla.

Kobayashi acredita a George B. Bridgman, un reconocido instructor de anatomía de la Art Students League de Nueva York, en Manhattan, por más de 50 años, por este enfoque para dibujar la figura en la que la forma humana se reduce a bloques encajados en otros bloques. . "Su método era simple y fácil, y los bloques mostraban la dirección de los diferentes elementos del cuerpo", explicó. "Este enfoque le permite obtener el esqueleto correcto sin preocuparse demasiado por los músculos, lo que funciona para mi tipo de pintura". Kobayashi recomendó que los estudiantes compren copias de los libros de Bridgman como referencia: La guía completa de Bridgman para dibujar de la vida (Publicaciones de Sterling, Nueva York, Nueva York); Cabezas, figuras y caras (Publicaciones de Dover, Mineola, Nueva York); Anatomía constructiva (Publicaciones de Dover, Mineola, Nueva York).

"A veces la pose que quiero es realmente difícil de mantener", explicó Kobayashi. "Creo que esto proviene de mis primeros años de caricaturas, colocando figuras en posiciones extrañas". Para superar este problema de tener un modelo con una pose incómoda, Kobayashi a menudo trabaja a partir de fotografías Polaroid del modelo.

"Antes de comenzar a dibujar demasiado, me gusta pintar las masas para poder ver a dónde va la pintura", explicó Kobayashi mientras continuaba la demostración. Utilizó un pincel de avellana número 4 y su paleta estándar de tonos tierra, incluido un color madre como el negro o un gris cálido premezclado, pero no cadmio y rara vez blanco. También favorece los colores de la serie Mars pero, más allá de esto, no les da a los estudiantes una paleta de pigmentos específicos porque sus favoritos siguen cambiando. Usando ocre amarillo, delineó la cabeza con trazos de ancho variable para transmitir forma y aplicó valores para los ojos, la nariz, la boca y las orejas. Se detuvo un momento para asegurar a los estudiantes que podían jugar con la colocación de características. “La pintura es realmente una mentira. Todo lo que tiene que hacer es convencer al espectador de que la pintura es correcta ". Luego se untó sobre una masa salvaje de cabello. Mientras pintaba, Kobayashi comentó: “Intento pintar el cabello rápido y suelto porque el cabello está suelto. Me recuerdo el tipo de material que estoy pintando para que las pinceladas lo expresen ".

Trabajo de estudiante
Kobayashi evita cualquier
crítica formal del estudiante
trabajar porque en clase
no hay suficiente tiempo
traer pinturas a
finalización, y él siente
juzgarlos sería
prematuro. Sin embargo, sobre
los años, Kobayashi tiene
visto un error más
los estudiantes hacen: tienen miedo
usar los oscuros y comenzar
sus pinturas con un
tono medio que hace
su trabajo parece turbio.

Kobayashi también puede cambiar el color del cabello. En esta demostración, pintó el cabello con Marte negro porque "se seca realmente negro". El negro es una parte esencial de la paleta de Kobayashi, en la tradición de artistas como Degas, Manet y Velázquez. En general, prefiere el negro marfil en lugar del negro carbón, y cuando quiere que el cabello se vea muy negro, agrega un poco de azul ultramar.

Luego abordó los tonos de carne de la cara y el cuello, usando colores notablemente fangosos, que son parte de su estilo característico. Puede comenzar con violeta de Marte o amarillo de Marte, o un monocromo cálido de Holbein. Si queda algo de pigmento negro en su pincel al pintar, el cabello se mezcla con los otros colores, mucho mejor. "Para mí, hay algo mal con los colores carnosos, curitas y mejillas rojas", comentó Kobayashi. “Me desvían, y la pintura comienza a ir en una dirección más convencional en lugar de ser un Kobayashi. Me siento más libre cuando uso colores inusuales ". Cuando respondió la pregunta de un estudiante sobre los pigmentos específicos utilizados para la cara, reveló la diversión que tiene al no ser convencional. "Estoy pensando en un tono de piel gris y feo, muy muerto".

Luego bloqueó en la sombra de la cuenca del ojo, seguido por el color en el borde de la nariz y la sombra debajo del labio y en el cuello. Mezcló azul, siena quemada y un blanco amarillento para estos. Actualmente también le gusta la naranja de Marte de Holbein porque "no es demasiado marrón". Se calienta un azul claro y hace un gran tono de sombra ". Luego rellenó la parte expuesta del cofre cerca del escote, pero con un valor más ligero ya que esta parte del cuerpo generalmente recibe menos sol que la cara. Para Kobayashi, el valor es más importante que el color. “El valor fundamenta tu pintura. Luego puede usar el color que desee ".

Volvió su atención a las manos, haciendo que la modelo probara diferentes posiciones. "Soy como un director. Me tomo mucho tiempo posar las manos para que no estén apretadas o tengan una forma demasiado geométrica. Dobla un poco la muñeca o será demasiado recta y parecerá un tronco. Piense en cómo los bailarines sostienen sus manos en posiciones que dan movimiento a la forma. Quiero que se coloquen con gracia. Él toma fotografías Polaroid de las manos de la modelo y las usa para colocarlas en los planos básicos. Aunque hace las manos grandes, le gusta pintar los brazos delgados para dar más acción a sus pinturas y atraer la atención del espectador hacia la imagen. Sus brazos son tubulares, excepto cuando descansan en el respaldo de una silla, se hunden en la tapicería o brindan la oportunidad de crear un borde suave y una forma interesante.

Kobayashi procedió cubriendo el lienzo, colocando todos los valores y formas. "En este punto, quiero saber cómo se relaciona todo", explicó. Luego les pidió a los estudiantes que decidieran de qué color hacer la blusa del modelo. Sugirió un color frío para que el color de la cara no se viera monótono. Los estudiantes se decidieron por la lavanda, y Kobayashi mezcló un bígaro de una combinación de gris violeta y rosa. Luego cubrió el fondo con un beige cálido usando un pincel No. 8 y una espátula, cortando la forma del cabello con la pintura de fondo. Mantuvo este color claro para mantener la silueta de la figura. El artista dice que evita el azul para el fondo porque se parece demasiado al cielo.

A lo largo de esta colocación, las pinceladas de Kobayashi fueron seguras y armoniosas. En relación con esto, el artista tenía una sugerencia fascinante para sus alumnos: "Hay un ritmo en la pintura que se extiende desde la paleta hasta el lienzo, y el tamaño de los recipientes que usa para contener el solvente y los pigmentos puede afectar esto". el avisó. “Usa grandes contenedores para hacer grandes golpes. Mantengo los pinceles en una lata de café que contiene diluyente de pintura y uso una lata de atún con la tapa quitada para el aceite de linaza. Los recipientes más grandes me permiten mover el cepillo libremente. Es una cosa de flujo continuo. No uso esas pequeñas tazas que venden para contener aceite. Hacer un pequeño chapuzón con un pincel en uno de esos y luego un gran golpe en el lienzo es un ritmo diferente ".

Con la colocación completa, Kobayashi terminó la etapa uno de su proceso de pintura en poco más de una hora. "La etapa dos implica limpiar el dibujo", explicó. Pintando mojado sobre mojado, volvió a trabajar en la cara. "Ahora lo estoy volviendo a dibujar". Alteró los valores, agregó un poco de violeta de Marte a las mejillas y enfatizó la proyección de la nariz.

Durante la segunda etapa, Kobayashi se paró muy cerca del lienzo para "pintura seria". Los estudiantes observaron de cerca los binoculares que se les pidió que trajeran con sus suministros de pintura. Agregó algo de luz al lado más oscuro de la cara porque, como explicó, "este lado se curva hacia la luz", y agregó una sombra al lado más claro para iluminarlo. Luego se concentró en la boca, tallando el borde con el tono de carne adyacente. Él detalló las manos. "Pienso en los tres dedos medios de la mano como una cuña con el meñique y el pulgar más como acentos", comentó. "Estos dan expresión a la mano". Pintó gruesas líneas negras entre los dedos para definirlas. También notó un cambio de color en el hueso de la muñeca y pintó un plano de una rosa profunda. Pero las manos seguían planas y estilizadas, recordando las gráficas manos del expresionista vienés Gustav Klimt.

En este punto, Kobayashi consideró agregar un patrón a la blusa de la figura. Fiel a la libertad que se permite en la pintura, hizo un diseño de parches de color o rayas para bailar. Por ahora la personalidad de la figura estaba emergiendo. Cuando un estudiante le preguntó quiénes son las mujeres en sus pinturas y si tienen un mensaje, Kobayashi respondió con toda naturalidad: "Creo firmemente en" es lo que es ". Así es como pinto mujer. No puedo explicarlo ".

Kobayashi trabajó en más detalles mientras pasaba a la etapa tres. Decidió dónde colocar la pupila del ojo (1 en punto y alto para abrir el ojo) y, para darle algo de textura a la pupila, recomendó usar una pintura viscosa hecha a mano como Doak o Harding y sumergir la punta de la punta. cepillar en el pigmento. Luego, ajustó las pestañas y las cejas y agregó a la boca, la parte más expresiva de la cara porque siempre está cambiando. “En esta etapa también verifico cómo funciona un golpe con otro. Quiero que la superficie se vea atractiva ”. Describe su pincelada característica como "más redonda" y, por lo tanto, prefiere modelos con una cara más completa.

Después de un descanso para almorzar, los participantes del taller regresaron al estudio para descubrir tres modelos posando en varias áreas de la sala. Comenzaron a pintar a las mujeres, y Kobayashi recorrió la habitación complementando una buena forma, la planitud gráfica de un diseño o el manejo del color. Explicó que hablaría en voz alta al criticar la pintura de cada persona para que aquellos que enfrentan problemas similares puedan beneficiarse de sus comentarios. Un estudiante tenía problemas con el vestido rosado de satén que llevaba una de las modelos, por lo que Kobayashi le mostró una reproducción de una pintura de Sargent en la que había manipulado el satén. Luego ayudó al alumno a encontrar el color básico de la tela que llevaba el modelo de la clase y lo pintó primero antes de agregar sombra y resaltar los colores. También recordó el momento en que escaneó una pintura figurativa Sargent en su computadora y borró digitalmente las pocas áreas más oscuras y resaltadas para descubrir que el maestro se había basado principalmente en dos valores para representar la forma.

Para otro participante sacó un peine español y lo colocó en el cabello de la modelo para complementar el fondo que el estudiante había pintado. A medida que avanzaba la tarde, todos estaban absortos en su trabajo. Pintar de repente se sintió divertido cuando Kobayashi liberó a los estudiantes del estudio modelo y los alentó a crear sus propias pinturas originales.

En el transcurso del taller, Kobayashi construyó una relación cálida con sus alumnos. El último día, alguien trajo un zapatero y un helado para compartir, y Kobayashi abrazó a los estudiantes antes de que siguieran su camino.

Sobre el artista
Milt Kobayashi nació en la ciudad de Nueva York, un japonés-estadounidense de tercera generación, pero pasó su primera infancia en Oahu, Hawai y luego en Los Ángeles. Obtuvo un B.A. de la Universidad de California, Los Ángeles, en 1970, y pronto comenzó a trabajar como ilustrador. Sin embargo, su estilo no se adaptaba al mercado de arte comercial de Los Ángeles, y regresó a Nueva York en 1977. Aquí, en una visita al Museo Metropolitano de Arte, en la ciudad de Nueva York, una pintura de Velázquez le impresionó tanto. El retrato de Juan de Pareja, que su carrera dio un giro importante hacia las bellas artes. Kobayashi comenzó a estudiar el trabajo de Whistler, Chase y Sargent, todos artistas también influenciados por Velázquez. Posteriormente, el arte japonés también se convirtió en una inspiración para Kobayashi, en particular para los maestros japoneses de grabado en madera Ukiyo-e de los siglos XVI y XVII, como Hokusai, Sharaku y Utamaro. Kobayashi ha recibido dos premios importantes: el Premio de compra de guardabosques de la Academia Nacional de Diseño y la Medalla de plata de Allied Arts.

Molly Siple frecuentemente escribe sobre arte desde su ciudad natal de Los Ángeles y es artista-miembro del California Art Club. Vea su otro artículo en este número sobre Kenn Backhaus.


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