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Dibujo para principiantes: Hacer mejores líneas, Hacer mejores líneas

Dibujo para principiantes: Hacer mejores líneas, Hacer mejores líneas

Line ha existido por mucho tiempo. Desde la era prehistórica, cuando ese primer artista recogió un trozo de ceniza de madera de una fogata gastada y dibujó una mano en la pared de la cueva, las líneas han descrito formas de todo tipo: humano, animal y paisajístico. Y cuando se unen con tonos más suaves y difuminados conocidos como masas de valor, tiene una fuerza imparable combinada, excepto, quizás, por un buen borrador.

por Dan Gheno

Line ha existido por mucho tiempo. Desde la era prehistórica, cuando ese primer artista recogió un trozo de ceniza de madera de una fogata gastada y dibujó una mano en la pared de la cueva, las líneas han descrito formas de todo tipo: humano, animal y paisajístico. Y cuando se unen con tonos más suaves y manchados conocidos como masas de valor, tiene una fuerza imparable combinada, excepto, quizás, por un buen borrador.

Mujer sentada
por Egon Schiele, 1918, lápiz de color negro, 18 11/16 x 11 13/16. Colección Ackland Art Museum, Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill.

Algunos artistas argumentarán que puede representar de manera más efectiva la figura humana o las imágenes abstractas solo con la concentración de valores, que todo lo que puede hacer con la línea, puede hacerlo con tonalidades claras y oscuras. Eso es verdad. Algunos de los dibujos más evocadores se basan en el valor solo. Pero en su esencia, todas las formas tonales finamente observadas están unidas por un borde implícito, o línea conceptual, incluso si existe solo inconscientemente en la mente de los espectadores. Personalmente, estoy emocionado por la combinación explícita de línea y masa en mi propio trabajo. Como explicaré en este artículo, ¿por qué no usar ambos? Primero, describiré cómo usar la línea por sí solo. Más tarde te mostraré cómo fusionar ambos en una asociación dinámica.

Punto y línea al plano
La línea comienza primero en silencio en la página como un punto. Luego, para tomar libremente el título del libro de Wassily Kandinskys, Punto y línea al plano, Esta potente marca o punto se transforma en una línea y finalmente, en manos de un artista entrenado, se convierte en un plano volumétrico. Al variar el grosor, la oscuridad y la textura de la línea, puede simular un movimiento dentro y fuera de las formas humanas, especialmente si deja que las líneas se crucen entre sí, cavando más allá de los bordes exteriores de la figura, en sus picos y valles interiores. . Dependiendo de su sujeto o su intención estética, puede usar líneas que son afiladas como alambre, líneas que son ásperas como Brillo o líneas que son tan suaves que se funden en el papel circundante. Las líneas pueden variar desde la franqueza de los contornos a menudo no modulados de Egon Schieles, hasta el pseudo pincelado de Anders Zorn o Charles Dana Gibson, hasta la calidad curvilínea y grabada de Durero. Dependiendo de cómo aplique su lápiz al papel, las líneas pueden tener un aspecto emocional y psicológico, y casi siempre muestran una especie de propiedad visual y rítmica en la forma en que bailan alrededor de la página.

Sin embargo, no cometa el error común de pensar que la línea no es más que una preocupación conceptual. A lo largo del proceso de dibujo, la calidad de su línea está dramáticamente influenciada por su elección de materiales, la textura del papel, sus instrumentos de dibujo, su nitidez y la forma en que los sostiene en la mano. Por ejemplo, prefiero comenzar mis dibujos de figuras con líneas largas, amplias y ligeramente dobladas, una tarea imposible si sostengo mi lápiz o tiza entre el pulgar y el índice como lo haría al escribir una carta. (Esta posición de la mano funciona espléndidamente cuando se dibujan los detalles finales, especialmente si se apoya con un palo de mahl o un trozo de papel pequeño y limpio debajo de la mano de dibujo). En cambio, al comenzar, giro el dorso de mi mano hacia el papel (ver Fig. 1, izquierda), sujetando el lápiz hacia el extremo del eje y apretándolo entre el pulgar, la palma y el índice. Con frecuencia cambio la posición de mi mano dependiendo de la dirección prevista de la línea: si estoy dibujando hacia abajo, sostengo el lápiz desde abajo, permitiendo que la gravedad guíe firmemente el descenso de mis manos (Fig. 2); Sostengo el lápiz desde arriba si dibujo hacia arriba (Fig. 3). Ambas posiciones permiten un mayor movimiento del hombro y el codo, lo que da menos importancia a las acciones irregulares de la muñeca y los dedos. También puede obtener una línea delgada y limpia cuando dibuja con la dirección de la punta del lápiz, afectada solo por la aspereza del papel o la suavidad del instrumento de dibujo. Pero observe cuán fácilmente puede variar el grosor de la línea cuando cambia repentinamente las direcciones, por ejemplo, de la vertical a la horizontal (Fig. 4). Al dibujar con el eje del cable, en lugar del punto, esa delgada línea de repente se vuelve gruesa. A medida que traza su camino a través de los detalles de la figura, encontrará que su línea fluctúa automáticamente con la dirección de su mano y lápiz.

Línea pura
Puedes decir mucho incluso con un mínimo de líneas. Al trabajar desde la vida, puede sugerir una figura humana completamente formada con una línea simple de peso muerto simplemente observando y mapeando cuidadosamente

Torso torcido
por Dan Gheno, 2006,
crayón pastel y sanguino, 9 x 12.
Colección del artista.

bordes exteriores del modelo. Mire de cerca su tema, como lo hace Egon Schiele en Desnudo reclinado con el torso levantado, trazando las variaciones sutiles de las formas exteriores. Cada golpe sugiere algo de hueso o músculo. Ciertamente, puede distorsionar las proporciones de la figura o exagerar su perspectiva como lo hace Schiele con su dibujo de la mujer lanzándose hacia el plano de la imagen, pero intente responder con franqueza y directamente a las formas externas. Sus espectadores sentirán los volúmenes internos, basándose en la experiencia y el conocimiento instintivo de sus propios cuerpos.

Cierre
No necesita envolver sus figuras con un contorno continuo, rígido y audaz. Puede crear una sensación de cierre más profunda marcando los bordes de las formas humanas más pequeñas con líneas intermitentes, de la manera en que Cézanne y Degas lo hicieron a veces. Trabajando de esta manera, puede adoptar un enfoque mínimo: por ejemplo, puede marcar la raíz, la base y la punta de la nariz, y el espectador intuirá el resto de la línea. Pero si está interesado en simular la forma, no reduzca demasiado el número de líneas. Al menos debe colocar una pista de una línea en los puntos altos y bajos importantes a lo largo del perímetro de un objeto y donde un subformulario importante se cruza con otro. El dibujo se verá incompleto o en blanco en algunos lugares si no lo hace.

Líneas superpuestas
Aunque la forma exterior es importante y, como Platón parece sugerir en su teoría de la Forma Ideal, es esencial para la identidad y el reconocimiento del objeto, eventualmente necesitamos viajar dentro de la figura con nuestras líneas. Es difícil o imposible para el artista principiante hacer esto cuando trabaja desde fotos, pero mientras trabaja desde la vida, verá cómo las formas se superponen continuamente entre sí, como cuando el cuello se desliza por encima del hombro, o el deltoides corre delante de la clavícula y las cuñas en la parte superior del brazo. En mi dibujo Brazo balanceándose hacia atrás, observe cómo varié el grosor y el valor de la línea para simular la hinchazón de las formas subyacentes, particularmente en las piernas. Además, observe cómo he retratado la transición de la pantorrilla izquierda hacia la parte superior de la pierna, con las formas recortadas, como lo expresan los escultores, representadas por líneas superpuestas. Sin embargo, no te vuelvas dogmático. Observe cómo uso estas técnicas de manera discriminatoria. Hice hincapié en la oscuridad en la línea a lo largo del hombro cercano para que el hombro lejano más levemente rendido pudiera retroceder. Aunque el codo cercano está más cerca del espectador que el hombro, elegí enfatizar selectivamente los puntos óseos superpuestos del codo en lugar de toda la forma saliente del brazo para evitar que se vea rígidamente cerrado. Sentí que las líneas del codo eran oscuras y lo suficientemente afiladas como para llevarlo por delante de la mano que retrocede.

Eclosión
A muchos artistas les gusta adoptar un enfoque topográfico y de sombreado para su línea, como en los dibujos de Albrecht Dürers. Puedes aprender mucho mirando el trabajo de este artista del Renacimiento del Norte. En Cabeza de un apóstol, vea cómo teje su línea alrededor de las formas, usando trazos más largos y gradualmente curvados en la forma más suave y redondeada de la cabeza en general. Mientras tanto, usa trazos de incubación más cortos, alternando en dirección, para describir las formas más pequeñas y angulares de las arrugas y los puntos óseos. Observe cómo se superpone las líneas de manera gradual en los detalles; él nunca pone la incubación en forma de tres en raya, en ángulo recto. Por lo general, un trazo conduce gradualmente al otro, y como en el resaltado representado en líneas blancas, la eclosión puede tener una apariencia casi espirales. En otro ejemplo, observe cómo la profundidad de las líneas de Michelangelos varía mucho y parece volverse más oscura e intensa donde se unen alrededor de los puntos acentuados de huesos y músculos duros en la figura en Estudio de un desnudo masculino. Cuando se representa con lápiz y tinta, sus acentos no solo parecen oscurecerse, sino que también parecen tener un aspecto casi pulido y bruñido.

Intente pasar un tiempo estudiando o copiando grabados antiguos, como se les exigió a los estudiantes de la Academia Francesa en los siglos XVIII y XIX. También es útil estudiar artistas de cómics como Neal Adams o Mort Drucker por sus métodos de sombreado cruzado. Esto sintonizará su ojo con el matiz de la línea y lo ayudará a desarrollar una sutileza y una sintaxis para su técnica de eclosión. Pero no exagere, y no se convierta en un esclavo de las líneas pirotécnicas elegantes. Cuando trabaje desde la vida, pase al menos tanto tiempo mirando el modelo como renderizando las líneas. De lo contrario, su dibujo se verá simplista y estilizado, envuelto en una intrincada masa de alambre de púas o lo que un artista e influyente escritor de técnicas artísticas del siglo XIX, Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, llamó estudios miserables y la paciencia algo absurda de aquellas personas que ... imitan exactamente la herramienta de grabado en lugar de la naturaleza. Según el historiador del arte Albert Boime, los maestros de la Academia Francesa se quejaban con frecuencia de la tendencia de sus estudiantes avanzados a dibujar de esta manera educada, sin saber que su énfasis exagerado en copiar grabados sin pensar fomentó la apariencia fría y sin vida que la propia Academia criticaba. .

La fusión de línea y masa
Para un contrapunto a este enfoque de línea dura, eche un vistazo a los dibujos de Charles Dana Gibson,

Una primera noche
por Charles Dana Gibson, tinta.

renderizado en trazos entrelazados más suaves, más amplios y más flojos. Junto con varios artistas e ilustradores en este período de siglo cruzado, Gibson trató de emular el efecto fluido y pictórico de la concentración de valores solo con la línea. Aunque muchas de sus líneas paralelas y libremente curvadas parecen seguir los volúmenes de sus sujetos, su objetivo parece menos la sensación táctil de forma que persiguió Durero y más un intento de mostrar los efectos ópticos de la luz en la estructura. Observe cómo Gibson crea evocativamente sombras de luz y oscuridad variando la cercanía y el número de líneas de sombreado para indicar un cambio de valor. Aplica una delicada trama de líneas sutiles al papel cuando representa las formas más suaves que parecen ser gradualmente más oscuras a medida que se alejan de la fuente de luz. Utiliza una mayor cantidad de líneas más ásperas cuando indica las formas más duras que se alejan de la luz y se convierten dramáticamente en masas de sombras más oscuras.

No es fácil dibujar con tinta, pero es una excelente manera de acelerar el proceso de aprendizaje. No puede cometer ningún error con la pluma y la tinta, por lo que rápidamente aprende a observar y elegir sus líneas sabiamente. Hay muchas herramientas para elegir para esta tortura; deberías probarlos todos hasta que encuentres el que más te convenga. La generación Gibson usó bolígrafos flexibles y pinceles finos y puntiagudos para dominar sus elegantes líneas gruesas y delgadas. Van Gogh hizo algunas de sus propias plumas rudimentarias pero efectivas con juncos y plumas comunes. Hoy en día, también tenemos una gran variedad de plumas estilográficas e incluso pinceles para eliminar parte del tormento del proceso. Solía ​​dibujar con ambos en mis primeros años, pero ahora encuentro que un bolígrafo sirve para mis propósitos también. Algunas marcas contemporáneas de bolígrafos son propensas a accidentes con manchas frustrantes, pero si prueba suficientes fabricantes diferentes, descubrirá algunos que proporcionan una línea sensible y confiable. Encontrará un bolígrafo bastante útil mientras está en movimiento, cuando desee un aspecto fluido e incompleto, o cuando desee indicar una masa de gran valor en la página con un grupo de líneas tramadas rápidamente.

Líneas como masa
Si apila suficientes líneas de sombreado finas y delicadas en su dibujo, puede crear el aspecto de una forma tonal suave y sin líneas cuando se ve desde la distancia. Me gusta combinar líneas en negrita con estas líneas de sombreado más delicadas. A veces, a propósito, utilizo la textura de papel extendido con líneas paralelas para mejorar este efecto, permitiendo que mi lápiz viaje hacia arriba y hacia abajo con la dirección del grano, como lo hice en Figura sentada. En algunos casos, difumino un poco el papel con textura con un muñón para que el contraste entre los bordes y las canaletas del papel no sea demasiado discordante. En la mayoría de los casos, trato de encontrar una fusión de línea con tono, con el objetivo de una transición gradual del trabajo de línea en masa de valor puro. Cuanto más me muevo por estos pasajes de mezcla suave, más atrás agarro el lápiz sobre la carcasa. Me resulta más fácil controlar la presión de mi línea con mi mano en esta posición elevada, lo que me permite golpear con un movimiento de arco cada vez más amplio. En estos momentos, sostengo el lápiz con tanta suavidad que a menudo se me cae de la mano.

Se necesita mucha práctica para manipular la línea en masa de valor tonal. Si recién está comenzando, ensaye la calidad de su línea tanto como sea posible. Incluso mientras mira televisión, puede sacar una almohadilla y dibujar líneas repetidamente en pequeñas muestras cuadradas, probando diferentes posiciones de las manos y variando la presión. Intenta practicar la combinación de tus líneas. Pase suavemente las líneas paralelas entre sí, superponiéndolas cada vez más hasta que casi parezcan desaparecer. Luego intente dibujar líneas en la dirección opuesta en esta misma muestra para obtener aún más sutileza y mezcla de líneas en masa. Si eres un artista avanzado, es igualmente aconsejable tener un trozo de papel extra a mano al dibujar, para que puedas probar la presión de tu mano o ensayar un tono complicado antes de colocarlo en tu dibujo terminado.

Medios húmedos
El método de tinta y lavado es otra herramienta efectiva en nuestra búsqueda de unir línea y masa, y debido a su similitud técnica con el medio de acuarela, incluso sirve como un puente útil entre las categorías artificiales de dibujo y pintura. Observe cómo ambos Giambattista Tiepolo con La sagrada familia y Jean-Baptiste Greuze con Mujer abrazando a un anciano reclinado ejecute lavados de valor sueltos en sus composiciones, uniendo sus figuras en grandes masas de valores abstractos pictóricamente. Observe también cómo las líneas más duras a veces se funden en el lavado húmedo, convirtiéndose en acentos más suaves y mezclados. Intente esto en su propio trabajo, usando tinta soluble en agua. A menudo, ni siquiera necesita usar un lavado que lo acompañe; puede usar un cepillo cargado con agua para arrastrar un poco de tinta fuera de la línea y crear un patrón de valor superpuesto.

Fuente de soda
por Isabel Bishop, ca. 1954
lavado con tinta, 7 1/8 x 6.

La masa a veces puede dominar tanto una imagen que la línea puede parecer un mero complemento de su compañero, sirviendo para acentuar las sombras más oscuras o las luces más brillantes, o simplemente conteniendo los bordes exteriores en algunos lugares. Incluso cuando se usa con moderación, como trato de hacer en la mayoría de mis dibujos (ver Torso torcido), la línea sigue siendo indispensable para mi trabajo. Pero recuerde que una pequeña línea recorre un largo camino. En este boceto rápido de cinco minutos, limité la mayor parte de mi trabajo lineal a las formas periféricas, superponiendo y variando su peso para reforzar las formas interiores entrelazadas. Traté de no alterar el flujo de las gradaciones de valor dentro, pero en algunos lugares agregué algunos golpes para acentuar algunos de los puntiagudos huesos y áreas de alivio profundo donde la acción endurece los músculos. Me retiré de la concentración tonal en las extremidades del torso, contando con las líneas solitarias restantes para facilitar la figura en el papel desnudo.

El poder de la línea y la masa no termina con la representación escultórica y los efectos naturales de la luz en la forma humana. Pueden cumplir una función de diseño como en el ejemplo anterior o, como en el dibujo de Charles LeBrun, donde la línea y la masa se desvanecen rítmicamente dentro y fuera de la página en blanco. La masa y la línea de valor casi se convierten en una unidad abstracta en algunos de los dibujos de lavado de tinta de Isabel Bishops. Es difícil saber dónde termina la forma y comienza la caligrafía en ella Fuente de soda. También usó líneas de líneas y formas híbridas audaces en muchas de sus pinturas, a veces superponiéndolas de una manera incorpórea que refuerza la planitud esencial y el potencial formal del lienzo o el papel. Tampoco deberíamos ignorar por completo los otros activos conceptuales de estos trazos contrastantes. Observe cómo Fragonard explota sus habilidades emotivas y expresivas en La pacha. Conocido por su uso rubenesco del color y el pincel animado, se acercó al dibujo con igual entusiasmo, arrastrando un pincel rápidamente por su papel de textura en un guión apasionado y desesperado, y allí llenando la página con un patrón casi moderno y repetitivo de marcas ásperas.

El uso de la línea en la pintura
El uso de la línea no se limita al ámbito del papel y el dibujo. Incluso muchos artistas centrados en las masas usan la línea para comenzar sus pinturas. Frecuentemente comienzo mis lienzos con un vago dibujo de carbón.

Figura multicolor
por Dan Gheno, 1996,
Lápiz de color, 18 x 24.
Colección del artista.

Luego reconfirmo y construyo sobre mis líneas iniciales de carbón con pintura, generalmente una carmesí azul o permanente de alizarina. Diluyo la pintura con mucho solvente para que el color fluya libremente, como la tinta. Gracias a la gran proporción de solvente, las líneas pintadas se secan rápidamente, generalmente dentro de cinco a 20 minutos. Esto me da mucha libertad, lo que me permite pasar al proceso de pintura de inmediato. Si creo que he perdido el control del dibujo, puedo raspar algunas de las capas superiores para recuperar el dibujo original a continuación. Pero tenga cuidado cuando use este enfoque. La pintura al óleo se vuelve transparente con el tiempo, y debe evitar dibujar con una línea extremadamente oscura, especialmente si pinta en capas delgadas.

A veces uso líneas para volver a dibujar una pintura que está en progreso, cambiando a un nuevo color cada vez que hago una revisión para poder comparar mis cambios con la encarnación anterior. Esporádicamente hago esto en mi trabajo dibujado, como Figura multicolor solo por diversión, creo que también es bastante interesante documentar el camino del descubrimiento, con cada decisión o ajuste registrado por un color diferente. Incluso cuando dibujo en mi forma normal y monocromática, nunca borro mis errores hasta que haya garabateado una posible solución. Es más fácil hacer una revisión en cualquier medio cuando puedes ver dónde has estado. De esa manera, no cometes el mismo error dos veces (o tres veces).

Unos cuantos pintores usan la línea extensamente a lo largo de su trabajo. Van Gogh es probablemente el ejemplo más obvio. Utilizó un trazo de trama altamente caligráfico en muchas de sus pinturas, mientras que, irónicamente, en muchos de sus dibujos, con frecuencia emulaba los aspectos texturales de las pinceladas. Al igual que muchos otros pintores, a menudo uso líneas como una salida expresiva o como una forma de implicar formas superpuestas tal como lo hago en mis dibujos. Incluso un artista orientado a las masas, como John Singer Sargent, recurrió a un gran uso del contorno en gran parte de su obra mural. Muchos muralistas de la época, incluidos Kenyon Cox y, más recientemente, Dean Cornwell, usaron la línea para hacer que las imágenes fueran más reconocibles desde la distancia, y junto con Georges Rouault en su trabajo de caballete, a menudo usaban contornos distintos en una emulación declarada del Líneas de plomo que soportan vidrieras. De alguna manera, incluso podría decir que estas líneas oscuras sirven más a un color que a un final de dibujo; refuerzan y mejoran los tonos dentro. Intenta imaginar el autorretrato de Hans Hoffmann sin líneas. No funcionaria.

Un artista abstracto como Hoffmann no tenía miedo a las líneas o al dibujo en general. De hecho, parte de su enseñanza giraba en torno al dibujo del modelo. Desafortunadamente, hoy en día muchos artistas y críticos denuncian la fusión de la línea y la masa, y argumentan vociferantemente contra la contaminación de la pureza del impulso de la pintura con las preocupaciones del dibujo. Esto me recuerda otro momento desafortunado en la historia del arte, cuando los Poussinistes, partidarios del dibujo y la moderación, y los Rubenistes, soldados de color y emoción, se enfrentaban mutuamente. Cada uno se mantuvo firme en su opinión. De hecho, un popular maestro y artista del movimiento neoclásico, el barón Antoine-Jean Gros, se suicidó porque no estaba dispuesto a sacrificar su lado emocional rubenista para honrar a su patrón y padre artístico, Jacques-Louis David, un celoso Poussinist.

Hoy, la mayoría de la gente puede apreciar ambos campamentos y puede ver su fusión eventual en el arte tradicional de finales del siglo XIX y XX. Piensa en cuánto potencial se perdió por estas guerras artísticas. La vida es demasiado corta para ser disuadida por otros dictums de artistas. Use líneas cuando sirva para sus propósitos visuales, y use masas de valor cuando sean apropiadas. Deja que alguien más se preocupe por las supuestas reglas estéticas. Tu trabajo es dibujar. Si te apegas a ello, serás tan imparable como el equipo de línea y masa.


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