Dibujo

Pintura al óleo: retratos de naturaleza muerta: el arte lleno de libros de Efraín Rubenstein

Pintura al óleo: retratos de naturaleza muerta: el arte lleno de libros de Efraín Rubenstein

Este pintor al óleo descubre que su serie continua de pinturas que representan libros le permite aventurarse en una serie de temas, incluido el autorretrato.

Vea una galería exclusiva en línea del trabajo de Rubensteins.

por William Chapman Sharpe

La gran guerra y yo
por Ephraim Rubenstein, 1998-1999,
aceite, 72 x 60.
Colección del artista.

Pintor nacido en Brooklyn Efraín Rubenstein Es un maestro de varios géneros, incluyendo pintura de figuras, paisajes y retratos. Para Rubenstein, que enseña dibujo y literatura de arte en la Art Students League de Nueva York y en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Academia Nacional, ambos en la ciudad de Nueva York, los libros no son simplemente objetos inanimados sino contenedores elocuentes de significado imbuidos de la vida de sus hijos. propio. En sus pinturas al óleo aparecen en muchas formas, como inspiraciones y guías, así como documentos de la vida personal y familiar. Uno de sus primeros éxitos fue Autorretrato con libros, comprado por el Museo Metropolitano de Arte, en la ciudad de Nueva York. En él, el artista define su propia personalidad al hacer que su imagen emerja entre un primer plano de libros de arte abiertos en su escritorio y un fondo con montones de libros y accesorios artísticos que se hacen eco visualmente de su torso y cabeza. En los últimos años, Rubenstein ha continuado explorando su sentido evolutivo de la vida y la mortalidad en una serie abierta de pinturas de bodegones que retratan libros en una variedad de poses. Los organiza casualmente, apilados o separados en pequeños grupos, o en combinación con lentes y otros dispositivos ópticos. A veces se vuelve más agresivo, representándolos apilados al azar, abiertos, desintegrándose, incluso clavados en la pared o quemados.

"Crecí en un tiempo", dice Rubenstein, quien nació en 1956, "cuando aún se suponía que la vida era en gran parte formal; tratar a los objetos con significado emocional fue completamente descartado ". Pero Rubenstein admiraba el arte cargado de contenido del pasado, y encontró en la naturaleza muerta una rica veta de mineral artístico que vale la pena extraer. Un realista meticuloso, se deleita en participar en una tradición que se remonta al Renacimiento. "Estoy encantado de estar involucrado en una forma de pintar que me conecta no solo con los artistas de épocas anteriores sino también con los objetos que definen mi propia vida en el mundo real", dice. “Los mejores artistas que conozco son humildes frente a la naturaleza. El mundo es tan hermoso y complejo que parece arrogante suponer que mejora lo que vemos; Simplemente hago mi mejor esfuerzo para capturar la riqueza que encuentro en el mundo que me rodea ".

Bodegón con libros descartados II
1996, petróleo, 24 x 20.
Colección Sasha y Bill Anawalt.

Como sugiere Rubenstein, la naturaleza muerta a menudo se ha considerado como un género en el que el significado intelectual o emocional queda en segundo plano ante las preocupaciones formales. Ya sea que el tema sea un tazón de frutas, un jarrón de flores o una mesa cargada con banderas de vino y un juego recién asesinado, la naturaleza muerta le permite al artista explorar el diseño, la textura, el volumen, el color y la luz. En el siglo pasado más o menos, la naturaleza muerta ha actuado como una especie de indicador sísmico de agitación artística. Sería difícil imaginar el arte moderno sin los girasoles de Van Gogh, las mesas repletas de frutas de Cézanne, las guitarras fracturadas y ensambladas de Picasso y Braque, o las latas de sopa de Warhol.

La naturaleza muerta, tal como la conocemos, surge de las pinturas holandesas de los siglos XVI y XVII en las que los artistas exhibieron, a menudo literalmente, los frutos del nuevo conocimiento y la riqueza, con algunas reflexiones moralistas sobre los fundamentos espirituales de su cultura mezclados. Con sus alimentos, platos y artículos para el hogar, como los pintados por Willem Claesz Heda, habla mucho sobre la vida cotidiana, el comercio mundial y la ciencia de la percepción en evolución en su día. Sin embargo, también se muestran las actitudes de su sociedad hacia estos objetos, como emblemas de transitoriedad que recuerdan a las personas su corta estadía en la tierra, los elementos de vanitas composiciones Ya sea que represente una mesa puesta, instrumentos musicales, flores o armas, casi todos subrayaron la transitoriedad de los bienes que el pintor memorizó. Para ellos, los libros pintados indicaban una distracción frívola en lugar de un refugio de ella. Y lo cierto es que, aunque los libros pretenden dar un conocimiento duradero, su ser físico está sujeto a las depredaciones del tiempo al igual que el cuerpo humano.

Auto retrato
Con libros

1984-1985, petróleo,
36 x 54. Colección
El Museo Metropolitano de Arte,
Nueva York, Nueva York.

Rubenstein se deleita trabajando con tales convenciones y luego volviéndolas de cabeza. En lugar de representar una vida que pronto se perderá, su pintura La gran guerra y yo transforma el género devolviendo la conciencia a una vida perdida. Inspirado en el descubrimiento del diario de guerra de su abuelo, el lienzo retrata la experiencia de un soldado de infantería en la Primera Guerra Mundial a través del cuidadoso arreglo de las reliquias del ejército que Rubenstein encontró en el ático de sus padres. Rubenstein reanima los elementos tradicionales de la escena vanitas empujándolos al contexto mortal de la guerra de trincheras del siglo XX. Un reloj de pulsera representa el reloj de bolsillo de los maestros holandeses; máscara de gas, casco y pala juegan el papel de espada y peto; un abrigo y mapas emulan los pliegues de las cortinas de satén; fotografías para retratos pintados. Incluso hay flores, en forma de amapolas de papel rojo del Día del Recuerdo, mientras que la vajilla de plata elaborada de los días de gloria de Holanda se reemplaza por un kit de desorden de hojalata, con una cantimplora abollada con balas que actúa como botella de vino y copa.

Bodegón con libros descartados I
1996, petróleo, 36 x 46.
Colección Deloitte Touche,
Washington DC.

El diario de su abuelo ocupa un lugar destacado en el centro de la composición. Sobre el pequeño libro que provocó esta importante declaración artística, Rubenstein dice, "con sus páginas delgadas de la Biblia, es como todo mi esfuerzo, reviviendo objetos y experiencias que habían permanecido almacenados durante muchos años". El diario reúne mágicamente los artefactos mudos que se agrupan a su alrededor: la mochila y la camisa con la Medalla de Honor sobre él se convierten en la espalda y el cofre del soldado; La máscara de gas y el casco forman su cara, pulmones y cabeza. Juntos construyen lo que Rubenstein llama "un retrato de mi abuelo, atributos sin cuerpo". La caja de cartón abierta debajo de la mesa no es solo la fuente de los recuerdos de la pintura; También funciona como una tumba abierta de la cual se levanta el soldado resucitado. Con la pantalla de fondo doblada en tres partes, Rubenstein convierte el retrato de naturaleza muerta, con sus piezas en una mesa tipo altar, en un retablo, una veneración de su tema. El conjunto equivale a una suma escrupulosamente ensamblada de partes emocionalmente móviles, la vida de un soldado desarmado restaurado para la contemplación del espectador moderno.

Aunque el descubrimiento de un libro llevó a Rubenstein a reflexionar sobre la guerra, en pinturas recientes descubrió que la guerra puede llevar a los libros. Hace muchos años se le encargó pintar un cuadro para un grupo de sobrevivientes del Holocausto. Mientras hablaban, una historia lo afectó particularmente, los soldados nazis arrojaron una estantería y su contenido a través de la ventana de la casa de una familia de Berlín. Nada podría ser peor, pensó el futuro interno de un campo de concentración, que ver los libros pisoteados y tirados en la calle. Profundamente conmovido, Rubenstein fue a su casa y reunió una pila de libros viejos que había estado cargando con él a lo largo de los años, incapaz de deshacerse de ellos. Se obligó a tirarlos repetidamente contra la pared, hasta que se le ocurrieron las composiciones grabadas en Bodegón con libros descartados I, II, y III.

Bodegón con libros descartados III
1997, aceite, 18 x 25.
Colección Lori y Roland Pease.

"Hay algo muy humano en los libros", explica Rubenstein. "Tienen espinas, al igual que nosotros". Los libros, como objetos inanimados que hablan cada vez que los abrimos, son una categoría especial de naturaleza muerta, siempre quieta, pero siempre viva. A diferencia de los holandeses, que refinarían su mensaje moral al delinear claramente los títulos de los libros y los pasajes literarios, Rubenstein prefiere dejar que los espectadores completen esa información por sí mismos. "Me gusta mantener la identificación de los libros deliberadamente vaga", dice. Rubenstein también acentúa una dimensión diferente de la "vida útil" porque sus libros parecen sufrir y morir. En los libros devastados de Rubenstein, con sus entrañas derramadas hacia nosotros, leemos una historia visible de resistencia desesperada, como si fueran víctimas de persecución o tortura. Desafiando su propia compostura, arregló sus imágenes con creciente violencia, incluso clavando un libro en la pared. "Lo destripé", dice sobre el libro colgado en el cuerpo. Naturaleza muerta con libros destruidos I.

Finalmente quemó libros. "Me horrorizó hacerlo", dice. "Va totalmente en contra de mi educación y valores". Pero la pintura resultante, Bodegón con libros quemados, aturde con su simplicidad reverencial. Los tres libros carbonizados pueden leerse como un tríptico triste, una ofrenda quemada de objetos sagrados.

Bodegón con libros destruidos I
1997, petróleo, 40 x 32.
Colección privada.

Con los años, Rubenstein descubrió que trabajar en una serie de pinturas centradas en un solo tema le da la oportunidad de abordar el cambio dentro de un formato fijo. "Lo que me gusta de una serie", explica Rubenstein, "es que puede actuar como un medio narrativo, una forma de derrotar la calidad de naturaleza muerta del medio del pintor". La serie más extensa de Rubenstein hasta la fecha trata de lo que él llama su motivo de "pila de libros". Apila libros, de tan solo tres o hasta 20, girándolos de un lado a otro para que las páginas, portadas y encuadernaciones formen una secuencia rica, sensualmente brillante de colores, formas y texturas. Jirones y desgarrados, los volúmenes en Libros: Pila V y Libros: Pila XIXSugerir el siniestro mensaje de mortalidad humana visto en holandés recuerdo mori mientras que los hermosos colores complementarios del libro bordean Libros: Pila VI se destacan deslumbrantemente sobre su fondo negro, como flores que brotan del suelo oscuro.

Jugando con las portadas brillantes pero vulnerables contra las páginas blancas o amarillas que encierran, Rubenstein ha encontrado una manera de tratar su naturaleza muerta como una composición abstracta, al tiempo que conserva las alusiones a la existencia humana que significan mucho para él. Solo en su mundo cuidadosamente iluminado, los libros forman y revelan su propia arquitectura. Las pilas nos piden que pensemos en la construcción y el equilibrio, y en las fuerzas que podrían derribar estas torres de Babel silencioso.

Bodegón con libros quemados
1997, petróleo, 39 x 50.
Colección privada.

Rubenstein usa un visor hecho de dos L de cartón unidos para ayudarlo a llegar a sus composiciones. "El buscador me permite previsualizar el tema", dice el artista, "y me da una buena idea de cómo lo que estoy viendo se traducirá en dos dimensiones". Por lo general, hace un dibujo cuidadoso del tema antes de comenzar a pintar. "Hasta que no haya resuelto el dibujo, ni siquiera sé qué tamaño o forma hacer el lienzo", dice. Después de completar el dibujo, lo transfiere a la ropa con papel de grafito, y luego procede a hacer una ligera pintura monocromática, una grisaille, con un lavado diluido con turpenoide. "Pienso mucho en el proceso de pintura en etapas, y cada etapa me ayuda a resolver ciertos problemas", explica el artista. “Resolví los problemas de diseño (tamaño, escala y composición) durante la etapa de dibujo. La etapa de pintura inferior me permite ver los grandes patrones de luz y oscuridad y me permite saber que todo está en su lugar. Una vez hecho esto, pinto la imagen en color muy directamente. Debido a que he hecho todo ese trabajo preliminar, puedo pasar mi tiempo pensando solo en el color. Por ejemplo, no tengo que preocuparme si un libro en particular tiene el tamaño correcto o está orientado adecuadamente en la pila, ya lo sé. Ahora puedo concentrarme completamente en qué color es ”.

Bodegón con libros, espejos y lentes II
2003, 48 x 92.
Colección del artista.

Aunque la naturaleza muerta de Rubenstein juega con la sensualidad y la mortalidad, sus pensamientos siguen volviendo a cómo los libros representan y dan forma a nuestras vidas. "No solo los libros son parte de lo que vemos, sino que nos enseñan cómo ver", comenta. Una de sus imágenes más complejas es un autorretrato de Rubenstein en el trabajo, aunque no aparece directamente en él. Bodegón con libros, espejos y lentes II se enfoca de manera literal en las herramientas del oficio del artista a lo largo de los siglos, los libros que dan forma a nuestras ideas sobre el mundo y los dispositivos ópticos que nos ayudan a percibir el mundo más plenamente. El espejo ovalado en el centro de la composición sugiere la cabeza del espectador, una cabeza que no refleja. En cambio, vemos la imagen reflejada de un libro y una lente, en esencia, una mente y un ojo. A través de esto, otro "retrato sin niñera", Rubenstein se vincula directamente con las grandes tradiciones de la naturaleza muerta y con el significado subyacente del género.

Sobre el artista
Efraín Rubenstein es artista y miembro de la facultad de la Art Students League de Nueva York y de la Academia Nacional de Diseño de la Escuela, ambas en la ciudad de Nueva York. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, incluido el Museo Metropolitano de Arte, en la ciudad de Nueva York, y se puede ver en www.ephraimrubenstein.com.

William Chapman Sharpe es profesor de inglés en el Barnard College de la Universidad de Columbia, en la ciudad de Nueva York. Ha recibido becas de la Fundación Nacional para las Humanidades, la Fundación Andrew W. Mellon y la Fundación John Simon Guggenheim Memorial. Sharpe escribe sobre arte, literatura y cultura urbana, y su libro sobre imágenes de la ciudad por la noche, Nueva York Nocturne, será publicado en 2008.

Para leer más funciones como esta, suscríbase a Artista estadounidense ¡hoy!


Ver el vídeo: Retrato de modelo según las luces del rostro. Técnica veneciana. UPV (Junio 2021).