Dibujo

Pintura al óleo: enfoque impresionista Carolyn Egelis

Pintura al óleo: enfoque impresionista Carolyn Egelis

Esta pintora al óleo de Maryland, conocida por sus retratos, busca la esencia de sus temas y se conforma con nada menos.

por Janice F. Booth

Pasto vespertino
óleo sobre lino, 24 x 30.
Colección del artista.

Cuando recordamos la cara de un amigo, no vemos los ojos, la sonrisa, la boca. Nash Sin embargo, hay algunas sugerencias útiles que podemos extraer de sus observaciones sobre el retrato.

Primero, considere cuidadosamente cómo colocar la figura en un retrato. Egeli advierte contra el artista y, por lo tanto, el espectador, acercarse demasiado y mirar hacia abajo sobre el tema, especialmente si el retrato tiene una longitud de tres cuartos, incluidas las manos y el regazo del sujeto. Si el foco está en los ojos y el artista mira hacia abajo, los ojos y la parte superior del regazo no se pueden ver simultáneamente sin distorsionar la perspectiva, lo que hace que el sujeto parezca flotar sobre la silla o el sofá en la pintura. Sin embargo, un punto de vista con la perspectiva correcta, que mira a la niñera, transmite vulnerabilidad y drama.

Sr. Sra. Stanley J. [Sandra] Sweikar
2005, petróleo, 50 x 40.
Colección Sr. y Sra.
Stanley J. Sweikar.

Un punto de vista que mira al sujeto puede dar la impresión de nobleza y autoridad, pero esa perspectiva también puede causar el alargamiento de las características en la parte inferior de la cara. La tercera opción, y quizás la más habitual, es mantener la cabeza de la modelo a la altura de los ojos del artista. Asiento del sujeto en una plataforma puede ser necesario para lograr esto. Lo más importante al elegir una perspectiva es que la pose debe expresar la personalidad del sujeto y capturar el espíritu de la modelo.

Otra clave crucial para retratos convincentes: haga del tiempo su aliado. Egeli toma descansos frecuentes a medida que avanza una pintura: trabaja en otra pintura, toca el piano o hace ejercicios, y luego vuelve a la pintura renovada. A medida que la pieza adquiere su propia vida, "evalúo y comparo lo que he hecho con lo que había imaginado. Ajusto el dibujo con mejores proporciones, a veces aumentando o modificando las diferencias de valor. Me aseguro de que la acción sea suficiente, es interesante. Sigo comparando y construyendo todo sobre el lienzo, manteniéndome en general siempre que pueda soportarlo, luego comienzo a precisar las cosas mientras trabajo sobre la pintura. En este punto del proceso, no pinto más de 20 minutos a la vez. Y me aseguro de que mi fuente de iluminación sea estable; No persigo la dirección de la luz ".

Tercero, Egeli insta a los artistas a buscar una coordinación de ojo y corazón. En parte, evita confiar en las fotos para más que una referencia. "Copiar servilmente fotos significa que estás copiando distorsiones", dice ella. “A menudo, los centros de las caras terminan demasiado grandes o las caras se vuelven demasiado largas, dependiendo de la lente y la distancia desde la que se toma la foto. El artista persigue su cola, incapaz de darse cuenta de por qué la imagen está perdiendo la marca ".

Su cuarto consejo: exagera la sensación de movimiento al principio. "A medida que corrijo o modifico el dibujo, se vuelve mucho más preciso", dice Egeli. "Pero sin prestar atención al movimiento y al motivo, la pintura titubea, la pasión falla". Ella confía en sus instintos, basados ​​en la habilidad y el coraje, para capturar los sentimientos que pueden infundir una pintura con vida.

Todavía congelado, Vermont
2006, óleo sobre lino,
30 x 40. Colección
el artista.
Henry T. (Tom) Waring
2004, petróleo, 32 x 38.
Todas las ilustraciones de este artículo
Colección privada
a menos que se indique lo contrario.

Y finalmente, Egeli recomienda que los artistas tengan cuidado de no centrarse en una característica en particular. No te dejes engañar, por ejemplo, por los ojos. Como Egeli advierte a sus alumnos: "Hay que construir la casa antes de poder poner las ventanas". Cada elemento del paisaje o la cara y el cuerpo tiene interés y exige la atención del paciente. Cuando las curvas de la oreja, el ángulo de la frente y la sombra de la barbilla han recibido el escrutinio minucioso del artista, el retrato se vuelve orgánico.

En el doble retrato de Stanley J. y Sandra Sweikar, Egeli primero dibujó las formas y posiciones generales de la pareja en el lienzo. A menudo dibuja en carbón, capturando los valores en el proceso. Mientras hace este bosquejo, otro proceso creativo continúa simultáneamente: Egeli escucha sus temas. Ella escucha lo que piensan y sienten; ella observa los mensajes que transmiten con sus cuerpos, sus expresiones. Hay algo que aprender incluso de lo que no se dice o lo que no se hace.

Egeli es un observador astuto; ella interpreta el motivo y el significado instintivamente. Su vocabulario visual expresa los sentimientos de ambas partes: el retrato terminado cuenta algo de la historia de la modelo y de la artista. Todo lo que Egeli ve y siente se convierte en parte del retrato. En el retrato de Sweikar, los ángulos de las posturas de la pareja reflejan la apertura entre ellos; Sus manos juntas apoyadas cerca del cuerpo del otro sugieren intimidad y el triunfo de un matrimonio exitoso. Sus miradas miran al espectador, confiados, sin vigilancia y a gusto.

Hortensias Blancas
2000, óleo sobre lino, 24 x 30.
Colección privada.
Laura Elizabeth
1994, petróleo, 55 x 36.
Colección del artista.

A medida que el retrato tomaba forma, surgió el colorido de la figura delantera. Egeli tiene cuidado con los tonos de carne. “Sargent usó ocre, negro y blanco y luego dejó caer un poco de rojo indio en la punta de los dedos. ¡Imponente!" dice el artista. “Mi padre, Bjorn Egeli, me enseñó a usar violeta de Marte y azul cobalto para los oscuros, mezclándose en números verdosos para los medios tonos. Los medios tonos se mueven al color ocre melocotón de los tonos de carne en general a la luz. Los planos cálidos se dejan caer con cadmios rojos donde gira la mejilla y el valor se mueve al lado oscuro. El lado cálido de la mejilla, más cerca de la luz, es de un rojo más cálido, y la otra mejilla, más cerca del lado de la sombra, tiene un rojo más frío que va hacia la sombra.

"En la luz reflejada, los colores se mueven a verdes pálidos, amarillos o blancos, dependiendo del color de la luz que golpea al sujeto", continúa Egeli. “Luego, a la luz, los valores terminan siendo muy altos con modelado infinito. Acercarse a la cara a través del modelado cercano a la luz es una tarea muy exigente. Una forma menos exigente de pintar la cara es con un rango de valores generalmente más oscuro, con rayas de luz para expresar los reflejos en la cara.

Skipjack Race, Crossing the Wake
2005, petróleo, 30 x 40.
Shannon Sullivan
2003, petróleo, 40 x 42.
Colección Sr. y Sra.
Michael J. Sullivan.

"Siempre les digo a mis alumnos:" Sostén la sensación que experimentas por primera vez cuando miras la escena o la persona que estás a punto de pintar "", dice Egeli. “Ese sentimiento debe permanecer cuando el trabajo esté terminado. Aprovecha tu pasión; procesalo. La pasión es esencial. Tómese el tiempo para analizar, pero tenga cuidado de no paralizar y sobreanalizar lo que ve y siente ”.

Egeli continúa: “En parte, el artista debe reflejar el tema. En el caso de un retrato, trato de familiarizarme con el estilo de vida y los gustos del sujeto. Como artista, me centro en la identidad del sujeto. Trato de ser honesto, expresando lo que veo en mi tema, teniendo en cuenta lo que es apropiado para el propósito del retrato. Como artista, recibo una comisión debido a mi gusto y visión, por lo que me mantengo fiel a eso, pero también estoy abierto a los puntos de vista de mi modelo. Desarrollar una relación con mi sujeto es una de las alegrías y beneficios de la pintura de retratos ”.

Los padres de Egeli, Lois Baldwin Egeli y Bjorn Egeli, eran pintores consumados, por lo que ganarse la vida como artista era algo natural para ella. Ella recuerda haber jugado de niña en las oficinas de un juez de la Corte Suprema mientras su padre pintaba el retrato del juez. Durante los últimos 20 años de la vida de su padre, Egeli lo acompañó a las sesiones. Servir como conductor de Bjorn Egeli le dio a su talentosa hija la oportunidad de observar la relación entre el artista y el sujeto, así como comprender el negocio de pintar retratos de personas famosas e importantes: gobernadores, presidentes corporativos, estadistas y jueces.

El legado de Bjorn y Lois Egeli incluye no solo sus carreras en pintura, sino también cinco niños que se convirtieron en artistas exitosos. La dinastía que fundaron (tres generaciones hasta ahora) se ha comparado con los famosos Peales del siglo XIX y los Wyeth, cuyas generaciones son contemporáneas de los Egelis. Cada una de estas dinastías pictóricas estableció una visión única, una cualidad para sus pinturas que incluso el admirador no instruido puede identificar.

Tall Ship en Norfolk
óleo sobre lino, 10 x 14.
Su honorable Theodore
Cardenal Edgar McCarrick

2003, petróleo, 36 x 54.

Pinturas de ambos padres cuelgan junto a sus propias piezas en la casa que Egeli construyó a orillas del Herring Creek en el sur de Maryland. En ese entorno bucólico, su trabajo está entrelazado con su vida privada. El diseño de la casa ofrece galerías llenas de luz y espacios de estudio donde los clientes e invitados de todo el país y del mundo vienen a estudiar, comprar pinturas y posar para retratos.

"Trato el arte como un trabajo que respeto", dice Egeli. “La pintura tiene principios fundamentales, un lenguaje que se puede entender. Las imágenes y materiales de uno son el vocabulario; Las características de los materiales y los elementos de diseño y color son la gramática de la pintura. Insto a mis alumnos a que apliquen esos principios del arte para producir pinturas imbuidas de la propia pasión y energía individual del alumno ". Si el pigmento, el lienzo y el barniz constituyen su vocabulario, el diseño y la estructura son la gramática que proporciona orden y control. Egeli habla el idioma del artista con fluidez.

Andrea Rousseaux y
Hija Amelié

1992, aceite, 36 x 30.
Gobernador William D. Schaefer
2006, petróleo, 36 x 48.

Ella comienza con los materiales de mejor calidad disponibles, incluyendo pinturas Old Holland, lienzo de lino, cepillos de cerdas y los medios clásicos de trementina, barniz damar y aceite de linaza prensado en frío. "Uso prensado en frío porque reduce el" ante "en la superficie de la pintura", dice ella. La artista señala que los suministros de arte contemporáneo, a diferencia de los materiales de su juventud, tienden a secarse rápidamente, lo que obliga al artista a planificar con anticipación pero ahorrando tiempo entre las etapas de la pintura.

Egeli es particular sobre el carácter de sus pinturas. Ella mezcla su propia pintura blanca con pigmento de Sinopia, una compañía de San Francisco. Cuando se hace con el aceite de linaza adecuado, este blanco casero tiene una cobertura y movilidad superiores. Las pinturas Old Holland se caracterizan por su calidad de archivo y su color intenso.
Egeli generalmente aplica un terreno a su lienzo o tablero de yeso, a menudo un tono neutral de valor medio. Si desea un fondo fresco, la artista puede usar una mezcla de azul cobalto, crudo y blanco. Para un terreno cálido, usará una mezcla de siena y umber quemado. "A medida que aplico la pintura, trabajo en etapas con esmaltes finos o un pincel cargado, dependiendo del tema", dice ella. El artista puede regresar repetidamente a un sitio de paisaje o a un arreglo de estudio para dibujar y fotografiar a su sujeto, a veces haciendo dos o tres pequeñas pinturas exploratorias. "A veces veo todo de una vez", dice Egeli. “Pero estar dispuesto a explorar es extremadamente importante. A eso lo llamo la búsqueda honesta. La búsqueda honesta revela la habilidad y la emoción del artista sobre el tema, si están allí. Suficiente verdad debería estar en la pintura para llevar el día.
El estudio en curso del tema es crucial para su enfoque. "El arte no está en la técnica o los principios", dice Egeli. "Está en la comprensión: comprender lo que ves y ver en tres dimensiones. Terminar un retrato o cualquier pintura es una tarea monumental. Al pasar por las etapas finales, encuentro que se compara con el parto. No hay elección sobre terminarlo, y habrá dolor. Pero el resultado es más satisfactorio. La pintura ha adquirido vida propia ”.

Janice F. Booth es una escritora independiente que reside en Maryland.


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