Dibujo

Pintura al óleo: legado de Cecilia Beauxs

Pintura al óleo: legado de Cecilia Beauxs

Una exposición en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, en Filadelfia, tiene como objetivo presentar a Cecilia Beaux para la gran pintora que fue: una de las más exitosas entre hombres y mujeres por igual.

por Lynne Moss Perricelli

A primera vista, Cecilia Beaux (1855-1942) parece ser una mujer típica de su tiempo en que sus relaciones familiares en gran medida dirigieron el curso de su vida. Sin embargo, una mirada a la vida de Beaux muestra que, en lugar de adoptar los roles convencionales de esposa y madre, el artista se centró en desarrollar una carrera y se convirtió en uno de los retratistas de la sociedad más importantes de la época. Pero, como la curadora Sylvia Yount argumenta en el catálogo que acompaña a la exposición "Cecilia Beaux: American Figure-Painter", ella nunca fue simplemente una retratista de la sociedad. "El interés de Beaux en explorar la línea entre el retrato y la pintura de figuras, en un momento en que este último género era ampliamente considerado como el modo preeminente en el arte estadounidense, subyace a su reputación crítica. Beaux pasó de las preocupaciones personales y específicas del retrato a lo que se interpretó ampliamente como la calidad general y universal de la pintura de figuras, capturando las tensiones culturales y las transiciones que resuenan hoy en día ".

La exposición itinerante, que se exhibirá en su sede final en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, en Filadelfia, del 2 de febrero al 13 de abril, examina la carrera de casi 40 años del artista con más de 85 obras, muchas de las cuales nunca han sido visto públicamente A medida que el espectáculo se ilumina, los familiares y amigos de Beaux constituyeron la mayoría de su tema, y ​​en estas imágenes exploró la representación del personaje de un individuo, así como las complejidades de las relaciones familiares. Estos objetivos estéticos, combinados con sus habilidades en la pintura, le permitieron competir desde el comienzo de su carrera en el ámbito más amplio, con hombres, por el estatus en los círculos artísticos. Sus logros fueron ampliamente reconocidos durante su vida, pero fueron olvidados en gran medida hasta unos 40 años después de su muerte, cuando el movimiento de liberación de las mujeres revivió el interés en su carrera.

A pesar de su éxito como pintora, Beaux tuvo una educación formal relativamente limitada en arte, estudió en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y en privado con William Sartain (1843–1924), cuyo enfoque prefería mucho al más clínico adoptado por Thomas Eakins en la academia. Sartain la ayudó a ser competente en la pintura de la figura de la vida, lo que llevó a la finalización de la pintura que lanzó efectivamente su carrera artística: Les Derniers Jours d’Enfance. Imaginando a su hermana, Etta, y a su sobrino, Henry Sandwith Drinker, la pintura va mucho más allá del retrato para hacer, como Yount lo describe, "una declaración universal sobre una etapa particular de la infancia y los complejos cambios que la acompañan. La propia Beaux consideró que la disposición íntima de cuatro manos en el centro de la composición era el quid simbólico de la pintura ".

Al crear la pintura, Beaux primero hizo un pequeño estudio de composición en aceite. Luego creó el entorno en su estudio organizando reliquias familiares, los muebles y la ropa para transmitir la sensación personal que deseaba. Los críticos elogiaron la pieza cuando se mostró en 1885 en la Exposición del Fondo de Premios de la American Art Association y más tarde en la exposición anual de la Academia de Pensilvania en 1885, donde ganó el Premio Mary Smith. La prensa también elogió la pintura y impresionó tanto a una amiga de Beaux que la envió a París con la amiga para el Salón de 1887. Fue aceptado y colgado, lo que llevó al artista a entrenar en los talleres de París poco después, una ambición de toda la vida que finalmente realizó a la edad relativamente madura de 33 años.

El éxito de Les Derniers Jours d’Enfance condujo a muchas comisiones importantes de la élite de Filadelfia, incluidas dos de las iglesias locales. Su retrato del reverendo William Henry Furness, quien fue ministro de la Primera Iglesia Unitaria de Filadelfia y líder entre los intelectuales de Filadelfia, fue muy admirado y ayudó a Beaux a acceder a un círculo progresista. Sus retratos de hombres durante este tiempo fueron seguidos por comisiones por retratos de otros miembros de la familia, incluidos algunos de los retratos de niños por los que se hizo tan conocida.

Uno de sus retratos infantiles más notables, Harold y Mildred Colton, es su primer doble retrato, un tema que su archirrival Mary Cassatt también exploró en esta época. En la pieza de Beaux, los niños de Colton aparecen como individuos seguros de sí mismos, con confianza mucho más allá de sus años. Curiosamente, como explica Yount, la presentación es tradicional e innovadora. El niño sostiene un látigo, un símbolo de masculinidad, mientras que la niña sostiene una manzana, un significante del mundo femenino de la naturaleza, pero las expresiones maduras en los rostros de los niños revelan sus caracteres distintivos. Al igual que los retratos infantiles de John Singer Sargent, esta representación sugiere la vida interior de los niños con una falta de sentimentalismo que es completamente moderna.

Una niña pequeña (Fanny Travis Cochran) transmite un efecto similar, con una complejidad emocional que presagia el futuro del sujeto como activista social militante. Además, el manejo de Beaux de la ropa de la niña recuerda la serie de chicas con vestidos blancos de James Abbott McNeill Whistler, aunque Beaux claramente eligió enfatizar las dimensiones psicológicas de su tema. En Ernesta (niño con enfermera), Beaux también representó a una niña con un vestido blanco, pero en esta pieza eligió una composición más atrevida. Los bocetos al óleo y al grafito la ayudaron a explorar la ubicación de las figuras, y al igual que Degas, recortó las figuras en un formato poco convencional y empleó pinceladas fluidas, evocando una sensación de vida y movimiento. Beaux escribió que en esta pintura esperaba transmitir una sola verdad: "que un niño de esa edad es habitualmente guiado por la mano".

Como Yount señala, Cecil Kent Drinker, un retrato del sobrino de Beaux confirma la observación de la crítica Leila Mechlin, quien escribió que los retratos de niños del artista capturan "precisamente el entorno adecuado para enfatizar su individualidad inherente [a los cuidadores], dando a cada uno una dignidad simple que es la insignia de inocencia y crianza ". Las convenciones del Viejo Maestro que empleó aquí son notables, particularmente el disfraz del niño y su efecto miniaturizante, destacando las cualidades diminutas y la inocencia de la niñera. "En el caso del directo Cecil, sin embargo, el encanto del trabajo proviene de la tensión entre su atuendo aparentemente adulto (particularmente el bastón) y su individualidad de cuatro años", escribe Yount.

Beaux estaba íntimamente involucrada con la familia de su hermana, pero no tenía hijos, lo que hace que sus notables pinturas de madres y sus hijos sean aún más intrigantes. Madre e hija muestra una cercanía inusual entre los sujetos, al igual que Sra. Stedman Buttrick e hijo John, que fue comisionado para marcar la muerte de una madre durante el parto y es paralelo a los sentimientos amorosos de Les Derniers Jours d’Enfance. Teniendo en cuenta que la madre de Beaux murió poco después de dar a luz a ella, y que su padre también estaba ausente, el artista probablemente encontró estos temas entre padres e hijos desafiantes, o al menos cargados de emociones. Aunque a menudo Mary Cassatt los compara con imágenes similares, los retratos de Beaux son radicalmente diferentes en su énfasis en las identidades separadas de los asistentes, incluso cuando están vinculados emocional o compositivamente. Como escribe Nina Auerbach, coautora del catálogo de la exposición, "Les Derniers Jours d’Enfance crea un mundo único para Cecilia Beaux. Es cortés, no terrible, pero tampoco amable. Su gente es demasiado cautelosa entre sí para ser acogedora. Ni benevolente ni cruel, no contiene ni unión ni abuso; el amor se expresa en la separación, no en la mezcla ".

El soñador, representando a la amiga de Beaux, Caroline Kilby Smith, se convirtió en una de las favoritas de los críticos, que elogiaron el tema como una chica estadounidense por excelencia. Admitido en el Salón de París de 1896, la pintura viajó con otros cinco: Ernesta (Niño con enfermera), mujer de Nueva Inglaterra, Sita y Sarita, Cynthia Sherwood y el reverendo Matthew Blackburne Grier. Colgadas juntas y a la altura de los ojos, las pinturas fueron muy elogiadas y obtuvieron la membresía de Beaux en la Société Nationale des Beaux-Arts. Entre los artistas franceses que la admiraban, el escultor Paul Bion (1845-1897) escribió a su amigo Augustus Saint-Gaudens que veía las contribuciones de Beaux como un cambio bienvenido de la banalidad de los otros retratos estadounidenses. “Ella nos muestra un lado de América libre de prisa, retirado y tranquilo; y descansamos contentos y meditativos en la atmósfera creada por su admirable talento ”, escribió. Saint-Gaudens luego compartió la carta con Beaux como una forma de transmitir su propia apreciación de su trabajo "en un lenguaje infinitamente mejor que el mío".

Un período de experimentación con el pastel a principios de la década de 1890 ayudó a Beaux a explorar un uso más atrevido del color y confirmar su creencia de que los retratos deberían ser "composiciones y arreglos de color". En Sita y Sarita ella se desafió a retratar los colores en blanco, empleando los acentos brillantes de una paleta impresionista. Aunque, como otros retratos de Beaux, Sita y Sarita recuerda las imágenes blancas de Whistler, Beaux solo utilizó el concepto de Whistler como punto de partida, inventando su propia idea de la mejor manera de representar a la niñera, tanto visual como emocionalmente. Alrededor de este tiempo, abrió un estudio en Washington Square, en la ciudad de Nueva York, donde estaría más céntrica para las comisiones que venían de toda la costa este. A pesar de su residencia en Nueva York, mantuvo una estrecha relación con su ciudad natal de Filadelfia, y especialmente con la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, donde enseñó hasta 1915.

A medida que avanzaba su carrera, Beaux se volvió más selectiva en sus asignaturas, centrándose en sufragistas, educadores y varias personas de la sociedad ilustradas. "En estos trabajos, Beaux expresó ideas de parentesco femenino en términos visuales, haciendo declaraciones a través del arte en lugar de usar etiquetas políticas", escribe Yount. De esta manera, expresó su respeto por las mujeres que estaban involucradas en asuntos actuales. Eliza S. Turner Es un buen ejemplo.

Beaux dejó de pintar a mediados de la década de 1920 después de que se fracturó la cadera y su vista disminuyó como resultado de cataratas. Como prueba de su reputación internacional, en 1924 los Uffizi le pidieron que presentara un autorretrato, un honor otorgado a solo otros tres estadounidenses: William Merritt Chase, Frank Duveneck y John Singer Sargent. Alrededor de este tiempo fue elegida para el Instituto Nacional de Artes y Letras y para la Academia Americana de Artes y Letras, además de recibir la Medalla Chi Omega y la Medalla de Oro del Instituto Nacional de Artes y Letras. En todos estos honores y premios, fue continuamente elogiada como una de las mejores pintoras, y como explica Yount, "fue ... su profesionalismo y personalidad más que sus considerables talentos que parecieron asegurar (y por lo tanto en última instancia oscurecer) su legado . " De hecho, parecía que Beaux era tan apreciada por sus sujetos y colegas que todos estaban ansiosos por darle el reconocimiento que tanto merecía. Quizás con esta exposición su trabajo se mantendrá en sus propios términos, que sin duda es lo que Beaux siempre quiso.

Un ex editor de
Artista estadounidense Lynne Moss Perricelli es escritora y editora independiente en Nueva Jersey.



Cecilia Beaux: pintora estadounidense

La Academia de Bellas Artes de Pensilvania, en Filadelfia, será la sede del lugar final de la exposición del 2 de febrero al 13 de abril. Un catálogo de la exposición completamente ilustrado, que fue el principal recurso para este artículo, acompaña el espectáculo. Para obtener más información sobre la exposición o el catálogo, visite www.pafa.org.


Ver el vídeo: ACERLERADOR DE SECADO PARA ÓLEO funciona? Celia Gallego (Octubre 2021).