Dibujo

Acrílico: Mark Karnes: Pinturas y dibujos íntimos

Acrílico: Mark Karnes: Pinturas y dibujos íntimos

El artista de Maryland Mark Karnes pinta escenas cotidianas dibujando estudios de valores en tinta o acuarela y luego pintando lentamente en óleo o acrílico sin un dibujo preparatorio detallado.

por Ephraim Rubenstein

Comedor
Día nublado

2005, acrílico a bordo,
16 x 16. Todas las ilustraciones son
colección de artículos del artista
a menos que se indique lo contrario.

Continuando con la larga línea de intimistas desde Vermeer hasta Vuillard, Mark Karnes hace un mundo atractivo con los aspectos más tranquilos de su vida doméstica. Como todos los grandes pintores de lo cercano, el trabajo de Karnes nos recuerda que la belleza se encuentra en todas partes, tanto en los momentos esperados como inesperados, y con cada giro de cabeza. En el primero de sus Cartas a un joven poeta, El poeta alemán Rainer Maria Rilke formuló este desafío estético: “Si tu vida diaria parece pobre, no la culpes; culpate a ti mismo, dite a ti mismo que no eres lo suficientemente poeta como para invocar sus riquezas; para el creador no hay pobreza ni lugar indiferente pobre ”. Casi en respuesta directa a las palabras de Rilke, Karnes ha estado haciendo pinturas y dibujos en su hogar del norte de Baltimore y sus alrededores durante más de 30 años. “Mi trabajo se trata de mi conexión con mi entorno. Los temas de mis fotos son cosas que me son familiares e inmediatas ”.

Karnes encuentra su entorno inmediato tan convincente, de hecho, que cuando una vez se le preguntó a dónde iba a viajar en su año sabático, respondió: "¿Por qué querría ir a algún lado? Todo lo que necesito está aquí. Según la experiencia de Karnes, todos los aspectos restaurativos de los viajes, ver de nuevo, la renovación de nuestros sentidos, están disponibles si solo puedes, como sugirió el poeta Rilke, tener los ojos para verlos. Incluso manteniéndose justo donde está, Karnes sigue experimentando su vida como viajero.

Interior con velero sin darse cuenta resume esta actitud. Karnes, para usar la frase del poeta Billy Collins, navega solo por la habitación, explora cada centímetro cúbico, navega por cada superficie y atraca en cada hueco de este espacio familiar, pero aún misterioso. Este viaje en particular se realiza en pleno invierno, cuando el velero de juguete generalmente se sienta en un dique seco en la mesa. La fría luz del invierno, tan bellamente pintada en la pintura, baña la habitación del ático que Karnes utiliza como estudio. El velero modelo, la pieza central sutil de toda la pintura, sugiere que todo es búsqueda, mientras que el haz de luz directa, que golpea momentáneamente la pared del fondo, nos recuerda que el tiempo está pasando y que los vientos cambiarán. El juguete, alineado directamente debajo de un dibujo de una figura enmarcada, también insinúa la habilidad mágica de la pintura para miniaturizar el mundo, reducirlo y destilarlo en algo que pueda sostener en la mano. El caballete francés plegable muy usado de Karnes, como una pieza de equipaje embalado y listo para ir, se apoya contra la pared directamente debajo de la ventana, esperando el embarque.

Dormer Tarde
Luz del sol

1998, aceite a bordo, 13 x 9.

Aunque este espacio del ático es su estudio principal, toda la casa es un juego justo para configurar su caja de pinturas. Al igual que Vuillard, o el pintor danés del siglo XIX Vilhelm Hammershoi, uno siente a Karnes merodeando por la casa con una mirada constante hacia los sujetos. Cuando una idea para una pintura comienza a formularse en su mente, comienzan a aparecer trozos de cinta adhesiva en el parquet, marcando la posición de las sillas, mientras que las teteras de la herencia desaparecen repentinamente, reclutadas para el servicio de naturaleza muerta.

En los últimos años, Karnes se ha acostumbrado a hacer pequeños estudios en blanco y negro con tinta o acuarela de escenas que despiertan su interés. Estas investigaciones iniciales resumen sus sensaciones visuales más poderosas. En cuestión de minutos, registran la división principal de luces y sombras en grandes y simples masas. Karnes considera que la tinta y la acuarela negra son materiales tremendamente inmediatos. Acortan el tiempo entre ver el tema y grabarlo, para que pueda responder con una franqueza imposible en otros medios. Con este fin, mantiene estos estudios extremadamente pequeños para poder ceder al impulso y no tener que preocuparse por controlar la estructura de un trabajo más grande. Puede leerlo todo con un vistazo a la página.

Por el momento, Karnes prefiere usar acuarela negra en lugar de tinta, porque con la acuarela, dice, “los tonos se mantienen más cercanos cuando están secos a lo que estaban cuando estaban mojados. Con tinta, los oscuros tienden a aclararse a medida que se secan y luego tienes que regresar y volver a trabajarlos. Intento mantenerlo como
lo más inmediato posible, con la menor revisión posible ". Además, Karnes pinta acuarelas de espectro completo, por lo que su facilidad con el medio es una ventaja para él. Puede hacer docenas de estos pequeños estudios antes de solidificar la idea de la pintura. Estas no solo son bellas obras por derecho propio, sino que también actúan como una brújula durante todo el proceso de pintura, asegurando que nunca se desvíe de la idea inicial.

La suposición del artista de que el mundo visual se puede analizar mejor en blanco y negro revela que Karnes es un tonalista inherente. A fin de cuentas, Karnes cree que el valor, incluso más que el color, constituye el aspecto más fundamental de la experiencia visual. Habiendo dicho eso,
Karnes es también un colorista exquisito, un hombre cuyos pensamientos de color son refinados y elegantes. En oposición al maremoto de colores saturados del siglo XX, entiende que el color se trata de una relación, no solo de volumen. Su tendencia natural gravita hacia el invierno, cuando la naturaleza se atenúa y el mundo visual se congrega alrededor de un centro más suave.

Interior con
Velero

1989–2005, petróleo, 24 x 36.

A menudo pinta estudios en óleo y ocasionalmente también en acrílico, y estos son igualmente sorprendentes en su inmediatez y en la precisión con la que evalúan el campo visual. Estos estudios se entregan a la observación pura. En ellos, deja de considerar cuáles son los objetos, y solo se preocupa por cómo aparecen, así como por cómo esa apariencia se puede traducir mejor al lenguaje de la pintura. Los trazos, cortes, toques, todo perfectamente calculado y colocado, se convierten asombrosamente en edificios, sillas y rayos de luz.

Karnes nació en 1948 en Astoria, Nueva York. Asistió al Philadelphia College of Art, donde estudió con el pintor Larry Day. También conoció al destacado realista Sidney Goodman, que tuvo un gran impacto en él. Aunque nunca tomó clases con él, Goodman criticó su trabajo y lo invitó a su estudio para ver en qué estaba trabajando. "Goodman fue el primer artista realmente serio que he visto desde adentro", dice Karnes. "Fue generoso conmigo, amigable y con los pies en la tierra".

La situación era bastante diferente cuando fue a New Haven para obtener su M.F.A. en Yale El ambiente era más duro y polémico, y su mentor, William Bailey, era cerebral, mientras que Goodman había sido intuitivo. Después de graduarse, viajó a Italia con una beca Fulbright de 1979 a 1980. Aunque estar en Italia y ver todas sus riquezas fue innegablemente fructífero para Karnes, su corazón finalmente permaneció en casa y nunca regresó.

Interior con
Tazón de azúcar

2000, acrílico sobre tabla, 25 x 26.
Colección
Mary White

Una gran parte del trabajo en su hogar ha sido aprender a adaptarse a una gran cantidad de situaciones de iluminación diferentes. "Mi casa tiene 30 ventanas", observa Karnes. "Esto significa que tienes que ser extremadamente flexible y adaptarte a las condiciones cambiantes". Además del efecto que estas ventanas tienen en sus pinturas interiores, también le brindan una gran cantidad de vistas aéreas de su vecindario. Las vistas en sí mismas, repletas de la configuración cambiante de las líneas telefónicas y el juego en el patio trasero.
conjuntos: son los de la realidad suburbana cotidiana. En las manos de Karnes, sin embargo, lo cotidiano se vuelve mágico. Es su firme creencia de que lo que importa es la calidad de la luz cambiante.

El pintor Pissarro a menudo hablaba de buscar en diferentes habitaciones de hotel, mirar por las ventanas y tratar de encontrar la vista perfecta. Con los años, la visión de Karnes se ha vuelto implacablemente democrática, abandonando la idea de que existe la visión perfecta. Ha aprendido a aceptar y
Aprecio exactamente lo que está delante de él, para convertirse en el poeta que Rilke exigió. Ha concluido que no importa cuál sea la vista. Para ser lo más libre posible de prejuicios y expectativas, él cree que todo el esfuerzo debe ser más abierto, más arbitrario. "Me meto en problemas cuando trato de ser demasiado exigente con" lo que es "". Al igual que Billy Collins, quien escribe sobre la vida a su alrededor (las bicicletas que se asoman a las puertas de la farmacia o la mañana salen a buscar leche y papel), el trabajo de Karnes está impregnado de la sensación y la apariencia de lo cotidiano.

La apertura de Karnes se refleja en el uso de sus materiales también. Su método de trabajo ha evolucionado a lo largo de los años y siempre está abierto a revisión y experimentación. A veces el artista pinta sobre lino, a veces sobre muselina, y a veces sobre paneles de Masonita con un rodillo de siesta fina. Principalmente pinta en aceite, pero ocasionalmente cambiará a acrílico si necesita que la pintura se seque inmediatamente mientras trabaja. Utiliza lo que necesita, así como acepta lo que ve, no insiste en encontrar lo que ya piensa que estará allí.

Los bocetos de Karnes generalmente se pintan alla prima, mientras que las pinturas más terminadas se desarrollan más lentamente. Para ellos, generalmente comienza con una superficie tonificada con un lavado neutro de color crudo. Incluso con las piezas más complicadas, como Interior con velero, el artista comienza casi sin dibujo preparatorio. Lo que le interesa al principio es la gran división de la luz y la oscuridad. Luego comienza a introducir cambios de temperatura, pensando qué partes de la luz son cálidas y qué partes son frías. En cualquier punto dado, solo dibuja todo lo que necesita para ayudarlo a colocar el color. Solo hacia el final fija los detalles del dibujo. Esto garantiza que la pintura siempre se centre principalmente en el tono, el color y la luz, en lugar del tema aparente.

Ventana con
Caballete francés

2007, acuarela negra,
8 x 8.

Karnes se aferra a esta creencia en la primacía de la luz, incluso cuando pinta el objeto que mejor conoce y que está más cerca: él mismo. Recientemente ha estado pintando una serie de autorretratos en los que aporta este mismo nivel de desapego a su visión. En la mayoría de los autorretratos de los artistas, el
el pintor usa el espejo simplemente como una herramienta para ver el objeto que realmente quiere pintar: ellos mismos. Piense en el monumental autorretrato tardío de Rembrandt en The Frick Collection, en la ciudad de Nueva York, en el que Rembrandt está milagrosamente delante de usted, con su forma tan palpable que siente que puede alcanzar y tocar esa cara querida. Pero con Karnes, no obtienes esa realidad palpable; obtienes el reflejo sombrío de su imagen en el espejo. La mayoría de los artistas eliminan el espejo para llegar al yo. Karnes tiene la intención de darte el espejo, el fugaz mundo de reflejos y sombras. Es solo que está en el espejo en ese momento. Esto representa una lealtad a ver el orden más alto. Habla del compromiso de una vida de respetar la primacía de la observación, incluso si es el yo más privado el que está en juego.

Sobre el artista
Mark Karnes recibió su B.F.A. en pintura del Philadelphia College of Art [ahora The University of the Arts] y su M.F.A. de la Universidad de Yale, en New Haven, Connecticut. Recibió premios y subvenciones del National Endowment for the Arts, el programa Fulbright, la Fundación Ford, el Consejo de Artes del Estado de Maryland y el Museo de Arte de Baltimore. El trabajo de Karnes se encuentra en varias colecciones importantes, incluida la Galería Nacional de Arte, en Washington, DC. Él tiene
sirvió como profesor en el Maryland Institute College of Art, en Baltimore, durante más de 30 años.

El artista y escritor Ephraim Rubenstein es instructor en la Art Students League de Nueva York y en la Academia Nacional de Diseño de la Escuela.


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