Dibujo

Pintura al óleo: Daniel Graves: administrador del arte humanista

Pintura al óleo: Daniel Graves: administrador del arte humanista

Muchos de los grandes maestros que entrenaron a Daniel Graves aparecieron en Artista estadounidense en la década de 1970, mientras él y sus alumnos han sido perfilados en números más recientes. A medida que la revista celebra su 70 aniversario, examinamos la educación académica en arte que Graves ha dedicado parte de su carrera a preservar.

por M. Stephen Doherty

El novio
2005, petróleo, 48 x 32.
Cortesía de Grenning Gallery,
Sag Harbor, Nueva York.

Muchos de los realistas importantes del siglo XX fueron perfilados en Artista estadounidense, y esos artículos destacados tuvieron una fuerte influencia en los pintores que tenían hambre de información que pudiera informar e instruir sus esfuerzos creativos. Daniel Graves Tuve la suerte de estudiar con varios de esos artistas influyentes, incluidos Joseph Sheppard, Frank Russell, Richard Serrin, Richard Lack, Pietro Annigoni y Nerina Simi; y apareció en la portada de diciembre de 1988. Desde entonces, Graves ha continuado transmitiendo la gran capacitación que recibió a las nuevas generaciones de artistas, y la revista ha presentado a varios de sus antiguos alumnos, algunos de los cuales ahora enseñan en los Estados Unidos y Europa.

Debido a que Graves es uno de los vínculos importantes entre el pasado y el presente, creemos que es apropiado visitarlo una vez más durante este año de aniversario. Afortunadamente, ha escrito extensamente sobre el estado actual de las artes representativas, sus propios antecedentes y la misión que lo sigue impulsando como artista y maestro. Lo siguiente es un extracto del ensayo que escribió Graves que ayuda a explicar la tradición que lleva a cabo y la metodología que utiliza para conectar a las nuevas generaciones de artistas con esa tradición.

Después de haber dedicado gran parte de mi vida, como artista y como maestro, a las artes de la representación, estoy muy contento de ver que, una vez más, un número creciente de personas está encontrando imágenes representadas tradicionalmente más significativas para ellos. La tradición a la que me refiero es la del espíritu humanista en el arte occidental.

Una exposición del trabajo de Graves
estar a la vista en el Eleanor
Ettinger Gallery, en la ciudad de Nueva York,
a partir del 8 de marzo de 2007.
Para más información sobre Graves,
visite su sitio web en www.danielgraves.com.
Para leer el texto completo de su
ensayo o para aprender más sobre
La Academia de Arte de Florencia,
visite el sitio web de la escuela en www.florenceacademyofart.com.
Para obtener una lista de otras escuelas de arte
manteniendo la tradición que Graves describe,
visite el sitio web del Centro de renovación de arte.

Cuando comencé mis estudios en 1968 con Joseph Sheppard y Frank Russell en el Maryland Institute College of Art, en Baltimore, la mayoría, si no todas, de las tradiciones dignas de la educación artística estaban vinculadas a los talleres europeos del siglo XIX. La información que recibieron los estudiantes se había transmitido desde el Renacimiento, primero a través de artistas individuales que contrataron aprendices, y luego a través de las academias cuya función era educar a los artistas y mantener una tradición artesanal. Como había pocas instituciones de este tipo en los Estados Unidos, la mayoría de los pintores estadounidenses viajaron a estos talleres europeos para aprender los principios y técnicas fundamentales para sus vocaciones.

Algunos de los estadounidenses que intentaban emular a las academias europeas, como R.H. Ives Gammell y Richard Lack, abrieron sus propias academias. Gammell entrenó a Lack en su taller de Boston, y Lack luego abrió The Atelier Lack [ahora The Atelier] en Minneapolis, que continúa operando bajo la guía de sus estudiantes. Otros talleres, pasados ​​y presentes, con enlaces a Gammell o uno de sus estudiantes, incluyen los dirigidos por Allan Banks, Charles Cecil, James Childs, Robert Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Koestner, Robert Douglas Hunter, Richard Whitney, Andrea Smith, Ryan S. Brown y Juliette Aristides.

Mi propio deseo de estar conectado con la tradición en un momento en que ya no estaba completo, cuando se consideraba pasado de moda querer hacerlo, y cuando se olvidaba su idioma, es lo que me llevó a Florencia en 1978. Habiendo estudiado con Por falta, decidí abrir una escuela de arte con Cecil en 1982 (que continuó hasta 1990 como el estudio Cecil-Graves), y luego fundé The Florence Academy of Art en 1991, y sigo sirviendo como su director. Mi objetivo era combinar las enseñanzas de Lacks con las de otros artistas / maestros que me influenciaron mucho. Ese programa educativo y la tradición en la que se basa son los que han llevado a cientos de estudiantes a la Academia de Arte de Florencia, varios de los cuales han fundado sus propios talleres.

Auto retrato
2005, aceite, 15 3/4 x 19 3/4.
Colección privada.

Decir que todos estamos trabajando en esta tradición académica no significa que nuestro tema e intereses artísticos sean los mismos. Como espero sea evidente a partir de los dibujos y pinturas creados por los artistas que acabo de mencionar y sus alumnos, cada uno de nosotros está tratando de crear un cuerpo de trabajo único basado en su camino artístico individual. Sin embargo, todos hablamos con el mismo lenguaje visual. Es decir, todos hemos aprendido, en la medida de lo posible, el lenguaje de la tradición, que utilizamos para expresar nuestras visiones. Me gusta creer que nuestra misión es unir fragmentos de la tradición humanista para que podamos aportar imágenes significativas que inspiren a las generaciones futuras.

Mi búsqueda temprana de la tradición
Mi propio camino artístico, como he explicado, comenzó en el Maryland Institute College of Art y continuó con mis estudios de posgrado en Florencia en Villa Schifanoia, donde conocí a Richard Serrin, una de las grandes influencias en mi vida. Me enseñó a leer una pintura, abriendo así una puerta que es crucial para desarrollar un diálogo profundo y continuo con maestros del pasado. Demostró una profunda comprensión técnica de Rembrandt y la pintura del siglo XVII, pero, igual de importante, se comunicó con el mundo de la pintura y me habló sobre el significado de lo que vio.

El explorador
2003, aceite, 35½ x 27½.
Todas las ilustraciones de esta colección de artículos
el artista a menos que se indique lo contrario.

Más tarde, fui a Minneapolis con Serrin para ayudarlo con un proyecto mural, y fue allí donde conocí a Richard Lack, con quien estudié durante casi un año. De Lack aprendí muchas de las tradiciones académicas de la Escuela de Boston, que Gammell le había transmitido, y el método de dibujo y pintura del tamaño de una vista que fue utilizado por muchos de los pintores de retratos del siglo XIX, incluido John Cantante Sargent. Luego regresé a Florencia y estudié con Nerina Simi, o Signorina Simi, como la llamábamos. La hija de Filadelfo Simi, un pintor florentino al estilo Macchiaioli, que había estudiado con Jéan-Léon Gérome, signorina Simi mantuvo el taller de su padre desde su muerte en 1923 hasta el suyo en 1987 a la edad de 97 años. Regresé a Florencia estudiar con ella porque el trabajo que salía de su estudio tenía fortalezas que quería adquirir.

Tanto Lack como Simi me ofrecieron una conexión con Gérome que fue significativa para mí. Lack heredó el suyo a través del linaje de Gammells, mientras que Signorina Simi recogió el suyo trabajando en el estudio con su padre. Ambos volviendo a Gerome, tenían muchas similitudes en lo que enseñaban, pero también algunas diferencias.

Italia, con sus museos, iglesias y belleza natural, y como un lugar donde las artes han florecido tradicionalmente, siempre ha sido un imán para los artistas. La presencia de Signorina Simi y Pietro Annigoni en Florencia atrajo a muchos pintores jóvenes (incluido yo) que buscaban los hilos deshilachados de la tradición realista. Queríamos desesperadamente sentirnos conectados con la tradición, y parecía que en ningún otro lugar los artistas trabajaban como lo hacían en el pasado, con una atención a la artesanía incluso en el nivel de material más básico. En Florencia, uno no se llamaba artista sino pintor; y cuando uno se ganó el respeto de los demás, como Annigoni lo hizo, uno recibió el título de maestro. Estas cosas nos hicieron sentir que la pintura era una profesión noble, profundamente arraigada en la artesanía, la cultura y la comunidad. Algunos de los que vinieron se quedaron solo unos pocos meses; otros, como yo, se quedaron porque Florencia los cautivó con su belleza y cultura.

Hans
2005, aceite, 27½ x 23¾.

Aunque no estudié con Annigoni, quien murió en 1988 a la edad de 78 años, llegué a conocerlo bastante bien. Él era, como algunos lo llamaban, el Patriarca del Realismo. Estableciendo el estándar para el dibujo, nos dio esperanza porque podía dibujar y pintar como los artistas lo habían hecho en siglos anteriores.

Visité su estudio muchas veces para mostrarle mis pinturas; siempre fue alentador pero nunca dio muchos elogios. No era mucho para una pequeña charla, le gustaba discutir los significados más profundos de la vida. Por supuesto, el arte siempre estuvo a la vanguardia de nuestras discusiones. Como salía del estudio después de visitarlo, siempre me animaba. Buon lavoro. Forza e coraggio? (Trabaja duro y bien. Fuerza y ​​coraje), diría, en el tono, imagino, de un guerrero romano.

Metodología de la enseñanza en la Academia de Arte de Florencia
En una escuela de bellas artes, es un deber enseñar solo verdades incontestadas, o al menos aquellas que se basan en los mejores ejemplos aceptados durante siglos. Las palabras de H. Flandrins, impresas en nuestro folleto, son lo más cerca que estamos de articular una declaración de misión en The Florence Academy of Art. Con Flandrin, y tantos otros que podríamos citar, como nuestros guías, enseñamos el oficio de trabajar en la tradición realista similar a la que se enseñó en los talleres de Europa occidental del siglo XIX, no necesariamente para producir trabajo del siglo XIX, sino , como mencioné anteriormente, porque nuestro vínculo más directo con los valores y enseñanzas tradicionales del pasado, que se sabe que han producido artistas de nivel profesional en la tradición realista, es a través de esos estudios. Debido a que recogí piezas de la tradición de muchas personas diferentes, lo que enseñamos en The Florence Academy of Art es una mezcla de lo que recibí de muchos de los que mencioné anteriormente, interpretados a mi manera.

Estudio de la nube
2006, aceite, 35½ x 51¼.

Al observar el sistema de formación de talleres como modelo, la Academia de Arte de Florencia es diferente de la mayoría de las otras escuelas de arte, donde los estudiantes asisten a una variedad de clases y a menudo son enseñados por muchas personas. Cuando los estudiantes entran por la puerta de The Florence Academy, se les asigna un espacio de estudio y se instalan en un ritmo de trabajo que se mantendrá constante durante sus años de estudio. Instando a que se conviertan, como dijo John Constable, en paciente alumno de la naturaleza, se pasa la mitad del día trabajando desde la figura y la otra mitad del día en sus estudios, trabajando en ejercicios específicos. Desmitificamos la formación de un artista y dividimos la tarea enormemente compleja de aprender a dibujar, pintar y esculpir de la vida en pasos graduales. En los términos más generales, los estudiantes pasan sus días tratando de ver y dejar exactamente lo que está frente a ellos, ya que, como dijo Leonardo, el pintor producirá imágenes de poco mérito si toma las obras de otros como su estándar; pero si se aplica a sí mismo para aprender de los objetos de la naturaleza, producirá buenos resultados.

Sin embargo, hacer esto no es fácil: una progresión paso a paso a través del plan de estudios de las escuelas, desde aprender a dibujar con precisión hasta aprender a usar valores de color precisos en aceite, o, para los estudiantes de escultura, aprender a usar la estructura correcta en arcilla: generalmente lleva a los estudiantes de cuatro a cinco años. Con pocas excepciones, los estudiantes se centran exclusivamente en dibujar su primer año. Una vez que han ganado confianza en su capacidad para ser precisos, se les pide que desarrollen, en preparación para convertirse en pintor, una comprensión sofisticada de las gradaciones de valor, de ahí el uso del carbón, cuyo rango lo convierte en un medio efectivo para explorar la luz y oscuro Los estudiantes intermedios logran una base sólida en el dibujo, tanto en grafito como en carbón, y, generalmente al comienzo de su segundo año, comienzan a dibujar con carbón y tiza blanca sobre papel tonificado, un paso más cerca de la pintura. Los dibujos de los estudiantes comienzan a parecerse a los dibujos reales, y sus dibujos de figuras tienen el peso y el equilibrio de una persona viva. Con estas habilidades de dibujo en la mano, se asignan los primeros proyectos de pintura.

Estudiar para el regalo
2006, carbón y tiza blanca, 53½ x 47½.

Obtener el control sobre este nuevo medio requiere tiempo y experiencia y, al igual que con el dibujo, avanzamos paso a paso. Suavizamos la transición del dibujo al comenzar a los estudiantes con pintura en grisaille—Es decir, con pintura en gris. Esto les da a los estudiantes la oportunidad de familiarizarse con el uso de la pintura para estudiar valores sin la complejidad adicional del color. Solo se dan unos pocos proyectos en grisaille (generalmente dos moldes y una pintura de figuras de cinco semanas) antes de asignar un proyecto en color limitado. Comenzamos a los estudiantes con tres colores, sin incluir el blanco: amarillo ocre, inglés rojo y negro. Esta es la paleta más tradicional y básica que existe: los estudiantes han comenzado con ella durante siglos, y se cree que muchos grandes pintores, como Tiziano, la han usado para producir algunos de sus mejores trabajos. Una vez que los estudiantes han descubierto el potencial de estos colores básicos, se agregan otros según sea necesario: amarillo de Nápoles, bermellón, azul cobalto, etc.

Los estudiantes de tercer año tienen tiempo para absorber y practicar el material que se les dio en el segundo año, junto con un mayor grado de dificultad en la materia. Se introduce el retrato, primero en el dibujo, luego en la pintura. Muchos estudiantes comienzan a mostrar una inclinación hacia ciertas materias y pueden comenzar a pasar más tiempo desarrollando sus habilidades en el área que más les fascina.

Para el cuarto año, los estudiantes dominan el dibujo en dos medios y están familiarizados con los métodos y materiales de la pintura al óleo, este último tan importante en los estudios de un pintor como el primero. Ahora es el momento de refinar las habilidades, identificar y abordar las debilidades persistentes, y comenzar a poner a prueba los conocimientos técnicos. Una de las políticas más beneficiosas que hemos instituido en los últimos 10 años es la crítica final. Al final de cada trimestre, los estudiantes presentan individualmente todo el trabajo que han producido ante sus maestros reunidos. El propósito de la crítica es informar a los estudiantes si están en curso, darles una indicación clara de cuáles son sus fortalezas y debilidades, y darles sugerencias personalizadas sobre cómo mejorar. Se les otorga una calificación de aprobado / reprobado según su desempeño en cinco categorías diferentes: progreso, desempeño, actitud, esfuerzo y asistencia.

Sospecho que para algunos estudiantes, los días a veces parecen lentos y tediosos, pero cuando se van después de haber estado aquí durante unos años, saben cómo seguir un procedimiento que funciona. Todo arte es sobre control: si no puedes seguir movimientos específicos de ballet, no puedes bailar ballet; no puedes tocar música clásica a menos que tengas control sobre todas las escalas y tu digitación. No puede pintar y esculpir de manera tradicional a menos que haya aprendido los principios y técnicas necesarios, como movimiento, gesto y proporción.

Estudiar para el regalo
2006, carbón y tiza blanca, 52¼ x 50.

Generalmente hay dos tipos de estudiantes: aquellos que parecen tener un don especial para ver y luego se traducen rápida y fluidamente de tres dimensiones a dos, y aquellos que luchan por cada nueva habilidad que adquieren. Ambos son excelentes pintores y escultores, así como excelentes maestros, por diferentes razones. Los primeros son a menudo modelos a seguir admirados; rápidamente perciben los errores de los estudiantes y la razón por la que los han cometido. Por otro lado, aquellos que han luchado tienen una gran comprensión de las dificultades; Sirven como ejemplos de progreso y pueden simpatizar con la frustración de aquellos que están luchando.

Lo que parece ser común en aquellos que tienen éxito, los que sobreviven, es su pasión y trabajo duro. Creo que cualquiera puede lograr el éxito, sin importar su nivel de talento, si él o ella es totalmente apasionado, involucrado y asiduo. Como dijo Miguel Ángel: si la gente supiera lo duro que trabajé, no les gustaría lo que hago.

Una declaración personal
Aunque se guardaron y transmitieron piezas de la tradición, me preocupa el estado actual de este conjunto de conocimientos, que es una de las razones por las que he dedicado parte de mi tiempo a la enseñanza a lo largo de los años. Al desarrollar el programa en la Academia de Arte de Florencia, elegí enfatizar aquellos aspectos de la tradición que me parecían vitales. Al hacerlo, no era mi deseo manipular la tradición para adaptarla a mi visión personal, sino fortalecerla, desarrollarla y dar a una generación de estudiantes las herramientas que necesitan para dedicarse a lo que considero uno de los mejores y más importantes. Las ocupaciones más desafiantes de todas: la creación de imágenes que tienen resonancia emocional y habilidad técnica y que, en su veracidad y belleza, transmiten ideas de gran importancia. Con este fin, como mencioné anteriormente, mezclé lo que aprendí de los artistas / maestros influyentes que conocí durante el curso de mis propios estudios. He interpretado necesariamente sus enseñanzas a mi manera, uniendo las piezas como parecía más correcto. ¿En el espíritu de transmitir a los estudiantes lo que es puro? ¿o es cierto? Es decir, para asegurarnos de que estamos enseñando principios y no imponiendo estilos, maneras o técnicas, nos enfocamos en los aspectos prácticos del oficio en la escuela.

El don
2006, aceite, cada panel 51½ x 53½.

Para aprender estas técnicas clásicas de dibujo, pintura y escultura, es necesario conocer el idioma para poder hablar de una manera que se entienda. Quiero transmitir este lenguaje a los estudiantes no para que luego ingresen a sus estudios y produzcan trabajos que sean una imitación del pasado, sino para que puedan ir al mundo y crear obras de arte en un lenguaje que se ha utilizado durante mucho tiempo por artistas, y eso ha sido entendido por personas de todos los niveles de la sociedad, ya sean artistas que trabajan o no. Dicho todo esto, soy muy consciente de que la tradición es mucho mayor que la suma de todos los elementos de la artesanía. De hecho, estamos parados sobre los hombros de gigantes.

John Ruskin señaló que tenemos generaciones de personas detrás de nosotros que nos ayudan a hacer obras de arte. Añadiría que esas generaciones de artistas han elevado la importancia técnica y psicológica de la pintura a un nivel tan alto que cualquiera que tome el testigo se enfrenta a la competencia más dura que existe. ¿Por qué no podemos producir Leonardos hoy? uno podría preguntar. No creo que sea solo porque carecemos de conocimientos técnicos y experiencia. Creo que es porque hay algo Adicionalmente a la técnica que también forma parte de la tradición. Espero que al tener la escuela en Florencia, al exponer a los estudiantes a sus grandes obras maestras y su cultura, que recojan más de la esencia de la tradición, que tengan más que técnica detrás de ellos para motivarlos.

Dado que no queremos simplemente repetir el trabajo de siglos pasados, creo que uno de los grandes desafíos que enfrentamos es descubrir lo que vamos a pintar y esculpir. ¿Para simplemente registrar la apariencia superficial de la realidad? Nunca ha sido la provincia de la pintura, cuyo lenguaje es mucho más profundo. Desde el principio, los artistas han pintado, esculpido y dibujado cosas que tenían significado para ellos, y las imágenes que han dejado atrás son un testimonio vivo, un registro de su conciencia en la tierra.

Para continuar el testimonio de lo que los humanos han visto, creído, sentido y pensado, debemos tener el coraje de preguntarnos qué es lo que realmente nos importa, porque si no sabemos no podemos expresarlo. Debemos desarrollar nuestra capacidad de sentir profundamente, porque lo que sabemos con nuestras mentes es solo una parte de lo que tenemos que dar a nuestro arte, también tenemos nuestros corazones para dar. Hoy muchos de nosotros somos adultos en nuestras mentes pero niños en nuestros corazones. Debemos volvernos sabios en nuestros corazones, junto con perfeccionar nuestro oficio, para expresarnos de una manera que toque y sea significativa para los demás. Buscar belleza y significado en nuestras vidas es incorporarlo a nuestro arte.


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