Dibujo

Luchando por el detalle de la atmósfera en los paisajes

Luchando por el detalle de la atmósfera en los paisajes

El californiano Dennis Doheny crea impresionantes paisajes petroleros al enfatizar las condiciones atmosféricas, dramatizar el patrón de luces y sombras y "jugar" con el color a medida que agudiza los detalles.

Doheny colocó una estera Fome-Cor alrededor de su estudio de plein air para Lakeside Reflections para aislar su vista.

por M. Stephen Doherty

Dennis Doheny sabe dentro de un día o dos de comenzar una nueva pintura si tendrá éxito o si será necesario descartarla. Aunque solo puede haber finos velos de color en el lienzo de lino con imprimación al óleo, el artista sabe si tiene una composición efectiva de formas y atmósfera tan crucial para sus paisajes. "Si el potencial no está allí, dejo a un lado la pintura y paso a otra", explica. “Más tarde, puedo volver a la imagen si se me ocurre una solución, pero muchas veces simplemente arranco el lienzo de las barras de la camilla. He aprendido por las malas que no tiene sentido luchar con una pintura condenada ".

El material fuente que Doheny usa para desarrollar esos espaciosos paisajes incluye estudios plein air, fotografías y su memoria. Aunque valora trabajar directamente desde la naturaleza, no cree que sea bueno en el trabajo al aire libre, probablemente porque siempre ha valorado el tipo de detalle que es difícil de lograr en tres o cuatro horas en el lugar, y porque la demanda de su las pinturas de estudio son tan geniales que rara vez tiene tiempo para aventurarse lejos de su hogar en Santa Bárbara. "Saldré al campo y haré un boceto de aceite muy suelto o un dibujo de grafito, generalmente cuando salgo de campamento", explica. "No trabajo bajo un paraguas, así que termino entrecerrando los ojos y eso hace que sea más difícil concentrarse en los detalles". También tiende a distorsionar la temperatura del color, y termino con pinturas que parecen demasiado geniales cuando las llevo al estudio. Caliento los colores cuando desarrollo pinturas de estudio más grandes de esos estudios. Por todas esas razones, generalmente no vendo las pinturas plein air.

"Como puede ver en la fotografía, me parece útil colocar una estera Fome-Cor alrededor del panel después de haber trabajado durante unas horas porque eso me ayuda a aislar mi vista de todo lo demás en mi campo de visión, Doheny agrega. "Tengo tapetes Fome-Cor en tamaños que van desde 9 x 12 hasta 50 x 50 que uso tanto en la ubicación como en el estudio. Cuando se colocan alrededor de los lienzos o paneles, estudio la composición y tomo notas mentales sobre los cambios que ayudarán a que la imagen tenga un mejor grado de resolución. A veces pongo el contraste en valores o disminuyo el grado de contraste, dependiendo de lo que creo que mejorará la imagen ”.

Acercándose a la línea de nieve
2006, aceite, 24 x 24. Todas las ilustraciones de este artículo son cortesía de William A. Karges Fine Art, Beverly Hills y Carmel, California, a menos que se indique lo contrario.

Las fotografías también sirven como material fuente útil en el estudio, aunque Doheny enfatiza que solo las usa para resolver detalles, no composiciones generales. "En realidad, la imagen más útil es la que conjuro en mi mente después de pensar en un lugar que he notado y recuerdo, o que he bosquejado o fotografiado", explica. “Acabo de comenzar a pintar lavados finos y de tonos cálidos en la superficie mientras pienso en cómo me impresionó el sitio, y ajusto las formas hasta que empiezo a obtener una composición que funcione bien. Me guío por la intuición y la experiencia más que por reglas específicas de composición, pero no obstante soy consciente de guiar a los espectadores a las pinturas, utilizando un contraste de valores para establecer un centro de interés y controlar los bordes duros y blandos.

"Poco a poco, comienzo a construir la pintura e introducir una gama más amplia de colores", continúa Doheny. “Juego con los colores cálidos y fríos hasta que se ven bien, y me muevo a pinceles más pequeños y suaves al enfocarme en formas y detalles más pequeños. Si uno se acercara al lienzo, sería obvio que manipulo muchos colores diferentes para transmitir los detalles, pero quiero que todos se mezclen cuanto más se aleje de la pintura. No soy un impresionista que deja trazos de colores obvios y audaces, pero sigo modificando y ajustando los colores mientras trabajo. Por ejemplo, la gran formación rocosa en Approaching Snow Line se ve como un área grande de un color gris azulado en la reproducción, pero en realidad es un conglomerado de muchos colores estrechamente relacionados, algunos de los cuales tienen más rojo, amarillo o azul que los que están cerca. "Hace poco vi una exposición en Santa Fe de pinturas de pintores del siglo XX de Taos, y me sorprendió el hecho de que tenían una técnica similar de utilizar una amplia gama de pigmentos para enriquecer sus pinturas".

Sierra silenciosa
2008, aceite, 24 x 24.

Doheny cita a Kevin Macpherson cuando describe la evolución gradual de sus pinturas al óleo. "Kevin habla sobre comenzar una pintura y luego corregir lo que no se ve bien, y a menudo me encuentro haciendo exactamente eso", explica. "Para mí es un proceso de eliminación, ya que sigo centrándome en los elementos que no funcionan bien, los corrijo y luego vuelvo a evaluar la imagen después de hacer esos cambios. Me detengo una vez que finalmente me he complacido. Eso es todo lo que un pintor puede hacer porque simplemente no hay manera de pintar con el objetivo de satisfacer las demandas de un coleccionista, distribuidor u otro artista ".

Ocasionalmente, Doheny experimenta con nuevos sujetos, técnicas o materiales. “La mayoría de mis paisajes presentan vastos espacios abiertos, pero a veces creo una imagen como Silent Sierra, en la que trato de capturar un paisaje brumoso y poco profundo utilizando esencialmente la misma paleta y técnicas de pintura. Nunca me ha interesado pintar espacios pequeños e íntimos porque la cantidad de detalles que agrego a una imagen convertiría ese tipo de tema en una imagen poco realista. Es decir, necesito equilibrar los detalles extremos con áreas de formas suaves y generalizadas para presentar una visión convincente de la naturaleza ”.

Sobre el artista
Dennis Doheny es un californiano de tercera generación que creció con un amor por el arte, se graduó de Pacific Palisades High School y trabajó durante 10 años como ilustrador antes de establecerse como un artista profesional. Ganó el primer lugar en el concurso Carmel Art Festival Plein Air de 1998; el Premio Frederick Remington en el Prix de West en 2006 y 2008; el Premio Grandville Redmond Memorial Purchase Prize durante el primer salón de primavera en lo que ahora es la Academia y Museo de Arte de California, en Pasadena, California; y el Premio de Compra en el Quest for the West Show del Museo Eiteljorg en 2006. Es miembro de la firma del California Art Club y está representado por William A. Karges Fine Art, en Beverly Hills y Carmel, California. Para obtener más información sobre Doheny, visite www.dennisdoheny.com.

Color de california
2008, aceite, 20 x 24.
Guardián del lago
2006, óleo, 34 x 34. Colección del Museo Eiteljorg de indios americanos y arte occidental, Indianápolis, Indiana.
Luz de la montaña
2008, aceite, 24 x 30.


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