Técnicas y consejos

Tensión y abstracción en el realismo

Tensión y abstracción en el realismo

Los provocativos y tensos dibujos de grafito de Catherine Murphy desafían la categoría, dejando al espectador preguntándose si está haciendo una abstracción o abstrayendo el realismo.

por Lisa Dinhofer

Campo segado
1985, grafito, 14 x 17.
Todas las ilustraciones de este artículo colección privada
a menos que se indique lo contrario.

Un pastel solitario en un horno encendido, una silla arañada por un gato, el reverso de un lienzo toscamente estirado y un montón de basura de un suelo sucio: estas son las imágenes inusuales, pero tan normales, de la extraordinaria dibujante y pintora Catherine Murphy Inusual porque las imágenes elegidas rara vez se presentan como temas para dibujos grandes, complejos y bellamente representados; y ordinario porque representan la experiencia cotidiana y común. Después de todo, ¿quién no ha barrido un piso?

Catherine Murphy es a la vez minimalista, realista, maestra de estilo renacentista del norte y artista abstracta del siglo XXI. es posible? ¿Son estas contradicciones? ¿O diferentes facetas de la misma piedra preciosa? Tomemos cada idea por separado: Murphy compone sus cuadros como lo haría un pintor abstracto, observa la vida como lo hace un pintor realista, presenta cada detalle como un maestro del Renacimiento del Norte y trata su superficie por igual, milímetro por milímetro, como lo haría un minimalista. "La contradicción es el camino hacia la armonía", dijo Murphy en una conversación telefónica reciente. Esta puede ser la clave de por qué la obra de arte de Murphy ha intrigado y engañado al mundo del arte de Nueva York desde principios de la década de 1970.

Nacido en Cambridge, Massachusetts, en 1946, Murphy llegó a la ciudad de Nueva York para estudiar, graduándose del Instituto Pratt y la Escuela de Escultura de Pintura Skowhegan a mediados de la década de 1960. El momento aquí es crucial. A finales de los 60 y principios de los 70 fueron una época de gran fermentación en la escena artística de Nueva York. Era el tiempo de la abstracción versus la representación: nunca se pueden reconciliar los dos, fue el pensamiento crítico generalizado. Los artistas establecidos y reconocidos fueron los expresionistas abstractos. "¡La figura está muerta, por lo tanto, la pintura figurativa está muerta!" Fue el grito común.

Nunca digas nunca, y nunca digas muerto. Alice Neel, Philip Pearlstein, Alex Katz y Neil Welliver en la costa este, junto con Wayne Thiebaud, David Park y Richard Diebenkorn en el oeste, revivieron la figura. La pintura representativa fue reconsiderada. Catherine Murphy alcanzó la mayoría de edad en este momento. Su primer espectáculo en Nueva York fue en la galería cooperativa llamada First Street. Ella fue recogida rápidamente después de este show introductorio por el conocido comerciante Xavier Fourcade y ahora está representada por Knoedler Company de la ciudad de Nueva York. Murphy ha recibido numerosas subvenciones y premios de organizaciones como la Fundación Guggenheim, la Fundación Ingram Merrill y la Academia Americana de Artes y Letras. Hoy, es crítica principal en la Universidad de Yale, en New Haven, Connecticut, y continúa mostrando sus obras de arte regularmente. Su exposición individual más reciente de nuevas obras de arte fue en la Galería Knoedler en 2008.

División
2007, grafito, 36 x 42 1/2. Colección
Fundación Maxine y Stuart Frankel
para el arte, Bloomfield Hills, Michigan.

Lo que distingue a Murphy como artista es el arco de su crecimiento desde sus primeros dibujos conocidos en los años 70 y 80 hasta el presente. Campo segado (1985) es un hermoso dibujo de paisaje sin prejuicios, pero seguro. El espectador se coloca a una distancia convencional de la escena, lo suficientemente lejos como para mirar este hermoso espacio a través de un arco de ramas de proscenio y luz solar. Es un paisaje hermoso, pero predecible que hemos experimentado antes. Comparar Campo segado a División (2007) Ya no estamos a una distancia segura, sino que nos vemos obligados a entrar profundamente en una escena en la que el hombre y la naturaleza han dividido el tronco de un árbol muerto. Vemos su núcleo interno y sentimos la textura de su madera podrida cuando regresa al piso de tierra. Cada grano es dibujado, cada hierba expuesta. La escala también ha cambiado desde el pequeño e íntimo (14 x 17) del campo cortado a los troncos de árboles grandes y agresivos que se dibujan en una superficie de 36 x 42 x 1/2. Murphy ha empujado sus imágenes a nuestras caras. Nos hemos convertido en participantes físicamente activos en su trabajo.

Esto es radical Esto es peligroso. Pocos artistas le piden tanto a su audiencia. En Luz del horno, Nos inclinamos para mirar dentro de un horno abierto en un pastel de capas burbujeantes, estaño y todo. Las esquinas del dibujo se redondean para mejorar esta experiencia reconocible.

Murphy no toma atajos en su interpretación; No hay espacio en blanco en ninguno de sus dibujos. No hay lugar para recuperar el aliento. Nos vemos obligados a reducir la velocidad y experimentarlo todo. Es muy difícil caminar rápidamente por cualquiera de estas piezas. Esta obra de arte requiere tiempo para mirar, y una gran cantidad de tiempo para crear. División Tomó tres veranos de mañanas soleadas para obtener la luz adecuada, según el artista. Luz del horno Tardó hasta seis meses en completarse, con el artista congelando el pastel en la lata todas las noches. La mayoría de los dibujos de Murphy están destinados a ser piezas terminadas; No son preludios de una pintura. Según el artista, algunos dibujos pueden tardar más tiempo en completarse que una pintura.

Muchos de los dibujos de Murphy expresan un momento en el tiempo, es decir, el período entre una acción y su resolución. En el dibujo Derramarse, Somos testigos de un vaso roto con el derramamiento de leche sobre una mesa de madera. Vemos el derrame justo cuando el reflejo de una hermosa ventana golpea el charco de leche. ¿Casualidad? Apenas. Ninguno de los bodegones de Murphy acaba de suceder.

Luz del horno
2008, grafito, 29 5/8 x 37.

La visión puede ser fugaz pero la representación no lo es. La construcción de esta configuración es un proceso cuidadosamente diseñado. ¿Cómo contiene la imagen de la leche derramada durante meses mientras espera ver el reflejo correcto? En respuesta, Murphy derramó gesso blanco sobre una mesa de madera y permitió que se endureciera y secara. El gesso desafortunadamente se secó mate, que era la superficie incorrecta para captar la luz, por lo que Murphy cepilló el medio acrílico en la parte superior para darle al derrame una superficie brillante y reflectante.

Originalmente, según el artista, el vidrio en el dibujo estaba intacto. "El dibujo simplemente no funcionó", relata el artista. "Entraba en el estudio día tras día, y simplemente no funcionaba. Finalmente tomé un martillo y rompí el vidrio, y allí estaba. Es por eso que los dibujos de Murphy se sienten inmediatos. Nos sorprenden porque el artista está dispuesto a arriesgar una pieza de seis meses con el golpe de un martillo. Ahora, Derramarse Tiene una historia con un borde violento. ¿Quién derramó la leche y por qué? ¿Quién rompió el cristal y cómo? ¿Quién lo va a limpiar en un hermoso día soleado?

Todos los dibujos recientes de Murphy son en blanco y negro y completamente tonales. Estas son dos opciones distintas. Un dibujo tonal es aquel en el que la superficie se construye con el tiempo, borrando las líneas que separan los bordes de los objetos al suelo. "Para un dibujo que puede llevar meses, paso aproximadamente una hora en la línea inicial". Murphy estados. Una forma de estudiar la técnica de un artista es buscar áreas que pueden no estar completas. En estas áreas podemos observar la mano del artista. En el caso de Murphy, el mejor lugar para mirar es el borde de la imagen, donde se produce la línea de demarcación entre el papel blanco y el grafito. Normalmente esta área está cubierta por el tapete en un marco. Estantes de estudio, cuando se observa de cerca, revela una superficie de grafito muy acumulada en papel pesado. Murphy usa papel Arches de un rollo, generalmente de 140 libras, y lápices de grafito Prismacolor Turquesa 5B afilados a punta de aguja. Construye la superficie de grafito trabajando en las sombras, dejando el blanco del papel como el resaltado más claro. A veces, el artista trabaja de izquierda a derecha, gradualmente colocando el dibujo en grafito y reduciéndolo con borradores hasta lograr el efecto correcto. Trabajar desde un rollo de papel en lugar de hojas individuales le permite al artista elegir el tamaño y la forma de su plano de imagen. Por ejemplo: Estantes del estudio mide 29½ x 36 3/4, División es 36 x 42 1/2, y Barrido es 25 5/8 x 33 1/2.

Estantes del estudio
2008, grafito, 29 1/2 x 36 3/4.

La elección del blanco y negro es significativa. Parte de la experiencia emocional de la observación se elimina mediante la eliminación del color. Estos dibujos se vuelven periodísticos en su presentación. El enfoque son los objetos, las relaciones entre los objetos y la luz que cae sobre ellos. Curiosamente, para crear un objeto creíble en valor, el artista debe estar bien versado en la reacción del color. Cada gris representa un color diferente, en Cuentas amarillas, el gris de una cuenta amarilla es completamente diferente del color de la carne del cuello de la modelo o el verde de su blusa. El drama es otro elemento inherente a un dibujo en blanco y negro con un amplio rango de valores. La narrativa de la imagen se convierte en clave, como en Arañazos Aquí está la historia de un gato invisible, una silla familiar y su destrucción.

Pedirle a un artista que nombre a los artistas que más admira es un asunto complicado, principalmente porque el gusto y la opinión cambian con tanta frecuencia. Las influencias de hoy probablemente cambiarán en la mañana. Y qué, preguntamos de todos modos. La respuesta de Murphy a esta pregunta fue interesante. Los pintores minimalistas Robert Mangold y Ellsworth Kelly son las principales influencias. En la pintura y el dibujo minimalistas, la idea se vuelve clave, y el estilo se vuelve irrelevante porque hay muy poco, si es que hay algo, en la superficie. Lo que interesa a los minimalistas es la geometría del plano de la imagen. Catherine Murphy ama la geometría: es la forma en que compone su página. Por ejemplo, Barrido retrata un óvalo de escombros con marcas de la escoba apuntando hacia ese óvalo. Murphy trata su superficie de manera uniforme de izquierda a derecha, y sin cambio de enfoque, esto puede aplanar el plano de la imagen, como en algunas obras de arte minimalistas. Pero aquí se detiene la influencia. Para algunos, el minimalismo es un fin. Para Murphy, es solo el comienzo.

Derramarse
2007, grafito, 28 x 40.

La verdadera pasión de Murphy está en la observación: ser fiel a lo que ve. Ser fiel a la visión física de uno trae una gran cantidad de nuevos elementos a la página, entre los cuales se encuentran las dimensiones psicológicas y físicas del tema. Por ejemplo, La espalda de Eileen es un estudio geométrico de la espalda de una mujer. Sí, pero no se puede descartar el hecho de que esta es una espalda muy pecosa de una mujer de mediana edad, la composición recortada en el cuello para centrar la atención en los omóplatos entre las correas de su sujetador. Tocamos su piel con nuestros ojos. En Barrido tenemos una vista de ratón de un montón de polvo. En resumen, los minimalistas nos alejan, pero Murphy nos acerca y nos acerca. ¿A veces demasiado cerca y demasiado personal? Ciertamente, ella nos muestra los rincones pasados ​​por alto de nuestras vidas. Hay poesía en esos rincones y música. Pero no hay romance: el arte de Murphy es el arte de lo real y sin adornos.

Sobre el artista

Catherine Murphy nació en Cambridge, Massachusetts, y estudió en el Instituto Pratt, en Brooklyn, Nueva York, y en la Skowhegan School of Painting Sculpture. Ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y ha sido crítica principal de pintura en la Universidad de Yale, en New Haven, Connecticut, durante dos décadas. Está representada por Knoedler Company, en la ciudad de Nueva York.


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