Técnicas y consejos

El proceso de pintura: reelaboración y adaptación

El proceso de pintura: reelaboración y adaptación


Trascendencia (pastel, 30 × 40)

Cuando estoy en el estudio, primero pienso en todas las posibilidades de composición de la pieza. Todo tiene que servir a la composición, y debido a que no puedo forzar una buena pintura, necesito permitir un flujo de ideas. Esto es ciertamente cierto cuando se trata de crear una metáfora o una idea narrativa para una pieza sin que parezca falsa o artificial. Aunque realizo muchos cambios en mi trabajo a medida que se desarrolla, sigo creyendo que el concepto inicial de una pintura debe ser lo suficientemente sólido como para permitir la construcción de ideas. Esto se debe a que las ideas compositivas establecidas al comienzo de una pintura van a estar allí al final, incluso si las cubres por completo. Crear un mal concepto para una pintura puede ser como escribir una tesis pésima para un papel; Si la idea no es sólida, pasas el tiempo tratando de probar algo en lo que no crees.

El proceso de Ron Monsma en 6 pasos:



1. Bosquejando lo básico
Comencé a mapear mi composición con carbón vegetal en una hoja de cartón prensado en frío que había tonificado con un lavado de acuarela verde-negro. En esta etapa, evité agregar demasiados tonos claros en áreas que eventualmente tendrían un color saturado, para no afectar la pureza de las capas posteriores. Sin embargo, agregué un poco de pastel gris claro para establecer un poco de volumen en la figura.


2. Valores y tonalidades
Trabajando de oscuro a claro, me concentré en áreas de color local. Elegí los tonos más ricos y saturados que aún mantendrían la integridad de las áreas de valor. Esto sucedió bastante rápido. Sin embargo, desde el principio decidí que la cabeza necesitaba un área más clara para respaldar el lado oscuro de la cara.

Este detalle (recuadro) de la cabeza de mi modelo, Sumi, sugiere que aún no estaba seguro del color o tono que quería para el fondo. No había decidido si quería que la sombra de la cara fuera clara sobre un fondo oscuro o más recortada contra un fondo claro. También ilustra que estaba presionando la intensidad de las áreas claras de la cara, obligándome a mantener el color rico. Las áreas de color y valor aún están sueltas pero establecidas.


3. Encontrar profundidad
Con el modelo ausente, me concentré en la naturaleza muerta de las naranjas. Construí cada pieza de fruta usando tonos saturados de rojo, amarillo y naranja. Los tonos de sombra fueron ayudados por el color de fondo para las luces reflejadas y la adición de marrones oscuros y un verde oscuro neutro (recuadro). También trabajé en el fondo negro más completamente, frotándolo con mis dedos. Como se puede ver en el ejemplo anterior, comencé a dibujar las hojas rompiendo el negro con un borrador amasado.


4. Cambiar el fondo
Todavía estaba colgando del fondo oscuro en este punto, y había introducido un arco que indicaba una pared detrás de la figura. Esto me permitió mantener el negro detrás de la naturaleza muerta, pero todavía estaba en desacuerdo sobre el tono y el color detrás de Sumi. Comencé a ver que la figura se estaba volviendo secundaria a la naturaleza muerta, y consideré permitir que el trabajo fuera en esta dirección. Sin embargo, mi preocupación era que era necesario atraer más interés al lado derecho de mi pintura, y finalmente sacrifiqué el fondo oscuro, lo que revirtió la relación de valor de la figura y la pared.


5. Apretando la composición
En esta etapa, abandoné el arco y extendí la pared un poco hacia la izquierda para romper la vertical directa que venía de la pata de la mesa y llevar la naturaleza muerta más al área de la figura. El diseño de la mesa se inventó para complementar el arco del abanico, y se agregaron más hojas por esa misma razón. La pared se creó arrastrando los tonos pastel de color naranja y verde-gris sobre el tono de fondo existente, y raspando con una cuchilla de afeitar a través de la superficie para obtener textura. En este momento también se introdujeron los caracteres coreanos.


6. Toques finales
En este punto, la vertical de la pared parecía demasiado rígida, así que reintroduje el arco, pero con una curva menos dramática. También suavicé las transiciones en el lado oscuro de la cara, y limpié y ajusté otras áreas para mantener una calidad pictórica. El resultado es Trascendencia (pastel, 30 × 40).



Ron Monsma
es artista, profesor y jefe de dibujo y pintura en Indiana University-South Bend. Su trabajo es conocido a nivel nacional e internacional y ha recibido numerosos premios. Está representado por Miller Gallery (Cincinnati) y Blue Gallery (Three Oaks, Michigan). Vea más de su trabajo en su sitio web.

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