Técnicas y consejos

El artista y el modelo de arte: una relación simbiótica (y una demostración)

El artista y el modelo de arte: una relación simbiótica (y una demostración)

Aplicando lo que aprendió de los estudios clásicos en Italia, Justin Hess usa aceites hechos a mano y el método del tamaño de una vista para hacer pinturas atemporales. "Una relación simbiótica" apareció originalmente en la revista (noviembre de 2012). Siga leyendo para esta demostración gratuita de la figura / pintura al óleo Un segundo vistazo (abajo; aceite, 35½x39½).

Una relación simbiótica
Por Justin Hess

Una modelo una vez bromeó sobre las caras que estaba haciendo mientras me concentraba en mi trabajo. Como artistas, tendemos a quedar atrapados en el momento mientras tratamos de representar con precisión el tema en cuestión. Es fácil pasar por alto la relación íntima con nuestro modelo que se crea al pasar tantas horas de trabajo intenso juntos.

por Un segundo vistazo, Me propuse representar la relación simbiótica entre el modelo y el artista. La modelo me estaba estudiando indirectamente a través del espejo con la misma intensidad con la que la estaba estudiando. Con su mirada, reclamó el ambiente como propio e infundió su fuerza y ​​gracia en una pintura que, esencialmente, ayudó a crear.

La inspiración para Un segundo vistazo provino de algunas fuentes diferentes, una de las cuales fue el pintor italiano Giacomo Grosso (1860–1938), quien hizo una pintura de un desnudo reclinado sobre una piel de oso (Nuda) Compré la piel de oveja en la que está sentada la modelo en un pequeño mercado al aire libre en Noruega mientras estaba allí enseñando en un taller. Disfruto de un ambiente de respeto profesional mutuo entre la modelo y yo en contradicción con la tensión sexual, que es lo que veo en muchas pinturas desnudas contemporáneas.

Demostración de pintura de figura:

1. Bosquejo preliminar: La idea detrás del bosquejo preliminar es traducir el concepto en una imagen. Intento resolver la pose mentalmente o, con la ayuda de un espejo, poniéndome en la pose, para tener una mejor comprensión de lo que quiero cuando llegue el modelo real. Esta también es una buena forma de calcular la composición en relación con el tamaño y el perfil del lienzo que mejor se adapte al proyecto.

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2. Estudio de color: El propósito del estudio de color es mezclar con precisión los valores de color que son específicos del tema y su entorno. El objetivo es lograr una impresión general de cómo se verá la pintura terminada. Puedo usar este estudio como referencia durante la pintura real.

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3. Configuración de tamaño de vista y bloqueo: De acuerdo con el método del tamaño de la vista, configuré mi lienzo directamente al lado de mi modelo para crear una pintura de tamaño real. Pero el tamaño de la vista no tiene que significar tamaño real. Cuanto más se acerque el lienzo frente al modelo y hacia el pintor, más pequeña será la pintura. Una regla general a la que puede adherirse es marcar su punto de vista a una distancia tres veces mayor que la dimensión de su lienzo. Leonardo escribió: "Cuando dibujes de la naturaleza, párate tres veces más lejos que el objeto que estás dibujando". Para esta pintura en particular, mi punto de vista estaba a unos 9 pies del lienzo porque la mayor dimensión de mi lienzo era de aproximadamente 3 pies. Antes de pintar, creo un dibujo al carbón para determinar la ubicación general de la composición y la forma general de mi tema. Intento mantener mis líneas rectas y claras mientras evito los detalles para que los cambios sean más fáciles de hacer.

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4. Conservar el bloqueo: Preservé el dibujo de bloque terminado al revisarlo con un grosor crudo aderezado con trementina, que estaba seco a la mañana siguiente. Luego limpié el lienzo de todo el carbón para no ensuciar los colores que aplicaría.

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5. Bloqueo con pintura: A menudo solo uso los colores mezclados en el estudio de color para hacer el bloqueo de la pintura, manteniendo así toda la pintura armoniosa y menos clave. Por lo general, trato de cubrir todo el lienzo rápidamente para que cualquier error de composición o proporcional sea más fácil de ver.

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6. Forma de construcción: Mientras revisaba constantemente mi dibujo, lentamente puse más información. Es importante no comprometerse demasiado con el dibujo original y realizar cambios, si es necesario.

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7. Clave la pintura: En esta etapa, clave la pintura, lo que significa que encuentro la luz más clara y la oscuridad más oscura en la imagen. En este caso, la piel de oveja tiene el valor más ligero y el cabello de la modelo tiene el más oscuro. Estos dos extremos definen el rango de valor limitado (relativo a la naturaleza) con el que trabajaré.

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Conoce a Justin Hess
Justin Hess estudió durante tres años en la Academia de Arte de Florencia en Italia. Al graduarse, pasó tres años más en Florencia enseñando pintura y preparación de materiales, primero en la Academia y luego en privado. Ha expuesto obras en Australia, Europa y Estados Unidos. Está representado por W.H. Patterson en Londres; Galerie Michael en Beverly Hills, California; y John Pence Gallery en San Francisco. Su libro, Control del proceso creativo, sobre el uso de métodos tradicionales para preparar pinturas, lienzos y marcos, está disponible en www.jhessfineart.com.

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